Warner Bros. ha anunciado que el nuevo filme de Christopher Nolan, Dunkirk, narrará los eventos de la Operación Dinamo -también conocida como evacuación de Dunkerque- que tuvo lugar a finales de mayo de 1940 en Dunkerque (Francia), durante la II Guerra Mundial. Aún es pronto para conocer el enfoque que el cineasta británico adoptará, lo que sí se conoce es que Tom Hardy (The Revenant), Mark Rylance (Bridge of Spies) y Kenneth Branagh (Hamlet, Celebrity) formrán parte del reparto protagonista.

La película se filmará entre una combinación de película de 65mm e IMAX, permitiendo a los escenarios lucir y transmitir la épica envergadura acorde a una historia de estas dimensiones. Este formato ampliará nuestro campo visual y ensanchará la imagen haciéndola más rica y panorámica e inmersa que en cualquier otra lente existente. Nolan también producirá el proyecto junto a su co-productora y esposa Emma Thomas y tiene una fecha de estreno fijada para el 21 de julio de 2017 en Estados Unidos.

¿Qué os parece el nuevo proyecto de Christopher Nolan? Personalmente creo que le vendrá bien alejarse de historias fantásticas de ciencia ficción y adentrarse en un género tan dramático y crudo como el bélico. Dejad vuestras impresiones y comentarios en la sección correspondiente.
Ya ha llegado la película evento más esperada del año, Star Wars: El despertar de la Fuerza, la séptima entrega de la saga que gira entorno a esa desdichada familia llamada Skywalker. Han pasado más de treinta años desde El Retorno del Jedi entre medio, las decepcionantes precuelas, pero por fin sus fans podrán salir contentos e ilusionados por el futuro que les depara. J.J. Abrams tenía un trabajo dantesco, una presión insoportable por resucitar a tan maltratada franquicia y consiguió su cometido: hacer un producto vibrante, lleno de homenajes a la primera entrega de 1977, a la vez que introduce nuevos elementos que actualizan esta saga a nuestros tiempos. La cinta la protagonizan Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver y Harrison Ford entre otros, reuniendo a las antiguas con las nuevas generaciones; los veteranos aportan la experiencia y conocimiento del material y los jóvenes le insuflan nueva vida y aseguran su continuidad. El bien y el mal siguen presentes como siempre, los Jedis y los Sith continúan enfrentándose por el control de la galaxia, solo que en El despertar de la Fuerza ambos lados están bajo las sombras y un Nuevo Imperio, en forma de Primera Orden, intenta imponer de nuevo su autoridad. Kylo Ren es el principal enemigo al que deberán derrocar nuestros intrépidos aventureros Rey y Finn, con la inestimable ayuda de Han Solo y Chewbacca. 

Comencemos pues analizando la aportación de J.J. Abrams, cuyo trabajo con el reboot de Star Trek y su cercana relación con Kathleen Kennedy -presidenta de LucasFilm Ltd.-, le valieron como aval para dirigir el primer episodio de esta tercera trilogía. Desde sus inicios, Abrams insistió en que su objetivo primordial era el de regresar a los orígenes prácticos que tanto protagonismo tuvieron en la trilogía original de George Lucas y que rompieron barreras técnicas en la industria cinematográfica de antaño. Una acertada decisión cuya presencia en la cinta supone un alejamiento sustancial respecto al extensivo uso de CGI de las precuelas. A su vez, debe resaltarse el frenesí que impregna a la obra desde el inicio. Donde fallaron las precuelas acierta El despertar de la Fuerza, con una historia directa y simple, personajes protagonistas interesantes y diálogos ingeniosos. Cierto es que su estructura recuerda a la primera Star Wars pero en ningún momento aburre ni resulta un calco a la original. Olvídense de Federaciones de Comercio, Senados galácticos y escenarios estériles, aquí volvemos a ese universo gastado y ruin, plagado de contrabandistas, soldados imperiales y algún que otro sabio místico. Las escenas de acción tienen impacto y crudeza y la acción fluye, quedándose contadas veces estancada en un punto. Hablando de historia, ésta fue escrita por Lawrence Kasdan, autor de los guiones de El Imperio Contraataca y Retorno del Jedi, que mantiene un equilibrio perfecto entre el pasado, presente y futuro de la saga y crea unos nuevos personajes enigmáticos, tanto villanos como héroes, con personalidades complejas y sentimientos encontrados. La intervención de Han, Leia y Luke no es fútil, todos ellos juegan un papel trascendental en la historia, en mayor o menor medida. Donde más falla el guión es en su carencia de originalidad y que las sorpresas no llegan a impactar y, sin embargo, pese a su predictibilidad me mantuvo en todo momento enganchado por el carisma que despedían sus personajes. También omite explicaciones, ya que algunos puntos de la historia no resultan coherentes y no se nos explican en ningún momento, prefiriendo desviar la atención al espectáculo visual, algo que para los más fanáticos puede resultar frustrante. Kylo Ren es un villano sin precedentes porque, pese a su imponente presencia y un diseño muy estilístico, el personaje en sí no terminó por intimidarme ni transmitirme sensación de amenaza omnipotente - aún quedan dos entregas más para desarrollarlo-. Las actuaciones son generalmente buenas, mención especial para Daisy Ridley (Rey), una desconocida descubierta por J.J. que impresiona por su soltura. John Boyega (Finn) y Harrison Ford también destacan y la participación de Oscar Isaac (Poe Dameron), aunque breve, es enérgica. Adam Driver intenta salvar a su personaje y pese a caer esporádicamente en el ridículo, tengo curiosidad por ver como aumenta su presencia en la trilogía. El resto del reparto aparece y desaparece durante el metraje, siendo Domhnall Gleeson (Gral. Hux) el secundario más brillante. John Williams regresa como compositor de una banda sonora que deleita nuevamente nuestros oídos, surgiendo la duda de si el maestro regresará o no en las secuelas por venir. Por último, aunque no por ello menos importante, hablar de la sobresaliente fotografía de Dan Mindel que brilla especialmente en los momentos más dramáticos de la cinta, así como en su retrato del planeta Jakku, con todo el esplendor de sus dunas y desiertos. Las escenas de acción aéreas son frenéticas pero no embarulladas, manteniendo al espectador enterado de los acontecimientos que se suceden en pantalla así como de los movimientos de Poe, Rey, Han o Finn. Los duelos a sable láser toman un giro de 180º respecto a los vistos en las precuelas, acercándose más al estilo lento y simplista de la trilogía original y personalmente no me asombró tanto como debería. Indudablemente son más feroces que las coreografías de la última trilogía pero carece de espectacularidad e impacto visual, algo que en un combate de estas características es imperdonable.


Definitivamente, podemos dictar sentencia: Star Wars ha vuelto por la puerta grande. J.J. abre la veda para los directores por venir (Rian Johnson y Colin Trevorrow) y les muestra la senda a seguir. Seguramente no sea la mejor de la saga pero supone una mejora respecto a las anteriores y a la vez constituye un mundo rico en el que querer sumergirnos en futuras entregas, con nuevos personajes a los que seguir y totémicos villanos a los que descubrir. La Fuerza ha despertado y con ella despierta el titán del entretenimiento, la soap opera que marcó las vidas de muchos y que seguirá marcándolas, el evento cinematográfico fundamental para entender nuestra cultura pop. Esto también es cine, quizá no sea introspectivo ni muestre grandes valores humanos pero es tan divertido y gratificante sentarte en una sala para evadirte que, en este mundo lleno de malicia y oscuridad, Star Wars ilumina el cielo para mantener nuestras esperanzas vivas.

Se vendrá al blog un artículo lleno de spoilers, hablando sobre los puntos mejorables de esta secuela, aunque llegará a mediados o finales de Enero.

6/10: AVENTURAS GALÁCTICAS EN UNA BUTACA MUY, MUY LEJANA


P.D. Atención ¡SPOILERS! Llegado el tercer acto, hay una escena con Rey (Daisy Ridley), cautiva en una celda, con un soldado imperial donde ésta le hipnotiza mediante un truco Jedi para que haga su voluntad. Ese soldado no es otro que Daniel Craig, el agente 007 James Bond, que como buen fan de la saga y al haber compartido estudio de rodaje con El despertar de la Fuerza quiso ser participe aunque fuera en un breve y discreto cameo. 
Ficha técnica

Título
: It's a wonderful life

Año: 1946

Duración: 130 min.

País: EE.UU.

Director: Frank Capra

Guión: Frances Goodrich, Frank Capra

Fotografía: Joseph Walker & Joseph Biroc

Música: Dimitri Tiomkin

Reparto: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore.

Género: Drama. Navidad. Cine familiar

Sinopsis: George Bailey es un honrado y modesto ciudadano que dirige y mantiene a flote un pequeño banco familiar, a pesar de los intentos de un poderoso banquero por arruinarlo. El día de Nochebuena de 1945, abrumado por la repentina desaparición de una importante suma de dinero, que supondría no solo la quiebra de su banco, sino también un gran escándalo, decide suicidarse, pero cuando está a punto de hacerlo ocurre algo extraordinario.

Frank Capra es indudablemente uno de los mejores cineastas que haya visto Holllywood, con una filmografía llena de joyas como El secreto de vivir (Mr. Deeds goes to town), Juan Nadie (Meet John Doe) o Arsénico por compasión (Arsenic and Old Lace) entre otras.

Sin embargo, con este filme firma una obra imperecedera sobre la importancia de la familia, la importancia que tienen los seres queridos en nuestras vidas. Sí, trabajar y prosperar económica y socialmente está muy bien pero ni siquiera toda la fama y el dinero del mundo pueden llenar el vacío que se siente al estar solo. Es por esto y por la genial actuación de James Stewart que convierten a ¡Qué bellos es vivir! en un clásico navideño que reconforta el alma y te recuerda que, por muy mal que estés y por muchos problemas que tengas, siempre es bueno saber que tenemos un hogar en el que cobijarnos de la ventisca y recuperar fuerzas para seguir luchando.

Soy consciente de que últimamente no he subido demasiado contenido y creedme cuando os digo que soy el primero en lamentarlo pero en estas fechas tan ajetreadas, debo contar con tiempo para estudiar para mis exámenes finales en Enero, además de estar con la familia disfrutando de las vacaciones.
Dicho esto, no quiero que os alarméis pensando que el blog ya no tendrá actividad, más bien será un breve intermisión hasta mediados de Enero, cuando por fin pueda liberarme de la pesada carga universitaria. Gracias por la comprensión, y os emplazo a 2016 con más energía e ilusión por ver más y mejor cine, saludos ¡Felices fiestas y feliz año nuevo!


P.D. Intentaré encontrar tiempo para hacer algún análisis de alguna película que considere importante y de subir la sección "Cine en casa" pero no puedo garantizarlo.

Canción escrita y compuesta por Bob Dylan, lanzada en 1969 como parte del álbum Nashville Skyline y que originariamente estaba prevista que formara parte de la banda sonora para la película ganadora del Oscar en el mismo año, Midnight Cowboy (Cowboy de medianoche), protagonizada por Dustin Hoffman -segundo gran éxito tras su obra inaugural, El Graduado- y Jon Voight. Muchas versiones saldrían en los años venideros, entonadas por artistas del calibre de Neil Diamond, Isaac Hayes, Booker T. & the MG's o Ben E. King entre otros. Espero que la disfrutéis


La preselección de veinte películas que determinará al filme con mejores efectos visuales ha sido anunciada hoy. De aquí elegirán diez películas, de las cuales menguará hasta cinco nominadas. A continuación os dejó la lista:


  • Ant-Man
  • Los Vengadores: La Era de Ultrón
  • El puente de los espías
  • Chappie
  • Everest
  • Ex-Machina
  • A todo gas 7
  • Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 2
  • En el corazón del mar
  • El destino de Júpiter
  • Jurassic World
  • Mad Max: Furia en la carretera
  • Marte (The Martian)
  • Misión Imposible: Nación Secreta
  • El renacido (The Revenant)
  • Spectre
  • Star Wars: El despertar de la Fuerza
  • Terminator Génesis
  • Tomorrowland
  • The Walk

Y esta es mi apuesta de las cinco películas que serán nominadas:

  • Star Wars: El despertar de la Fuerza. Por lo visto en los trailers, los efectos pintan excelentes
  • Marte (The Martian). El equipo encargado de los efectos visuales para The Martian hizo un trabajo brillante, jamás me vi distraído de la narración por culpa de malos efectos más bien lo contrario, me transportó a Marte junto a Mark Watney.
  • Jurassic World. Superproducción fallida en lo argumental pero notable en lo visual. 
  • Ant-Man. La obra de Peyton Reed impresiona por su colorido y espectacularidad. En éste último factor, los efectos especiales adquieren gran importancia.
  • Mad Max. Probablemente no termine entre las cinco nominadas, pero es mi lista y Mad Max es mi apuesta arriesgada. La mezcla entre efectos prácticos y visuales resulta magistral y e imparte una lección de como utilizar ésta herramienta sin abusar de ella.
Pero decidme, ¿cuáles de esta preselección os parece que deberían ser nominadas? 
Valoración (de mejor a peor): Gran compra, recomendable, en rebajas y ¡no, gracias!
Nota: aquellas que no tengan valoración, se debe a que no las he visto.


Ya a la venta


  • Las últimas supervivientes. Un grupo de amigos son absorbidos por una pantalla de cine para encontrarse en medio de un slasher "ochentero" en el que se convertirán en las víctimas del psycho-killer de la película. EN REBAJAS

9 diciembre


  • El secreto de Adaline. Adaline Bowman, nacida a comienzos del siglo XX, adquiere a los 29 años la eterna juventud tras un accidente. Tras años de vida solitaria y permanecer con la misma edad durante 8 décadas, conoce a Ellis Jones, un hombre por el que podría merecer la pena perder la inmortalidad. ¡NO, GRACIAS!
11 diciembre

  • Misión Imposible: Nación Secreta (M:I-5). Con la FMI disuelta y Ethan Hunt abandonado a su suerte, el equipo tiene que enfrentarse contra el Sindicato, una red de agentes especiales altamente preparados y entrenados. EN REBAJAS
  • Amy. Documental sobre la famosa cantante británica Amy Winehouse, que cuenta con imágenes inéditas de archivo y entrevistas con la malograda estrella, que murió en julio del 2011 a los 27 años de edad por parada cardíaca consecuencia de sus excesos con las drogas y el alcohol, adicciones agravadas por su bulimia. RECOMENDABLE / GRAN COMPRA (AFICIONADOS A SU MÚSICA)
16 diciembre
  • Coche policial (Cop car). Dos chavales de diez años encuentran un coche de policía aparentemente abandonado y deciden montarse para dar una vuelta. Comienza así un tortuoso y desesperado juego del gato y el ratón en el que la única salida será darle al acelerador y conducir lo más rápido posible. EN REBAJAS
  • Retratos de familia (Ilo Ilo). Singapur, 1997: Los Lim son una familia acomodada de tres miembros – marido, mujer e hijo – que recibe a Teresa, una mujer filipina que ha venido a la metrópolis a servir, al igual que muchas otras compatriotas suyas en busca de una vida mejor. Toda la familia tiene que adaptarse a la presencia de esta extranjera, que altera aún más su relación ya tensa. 
18 diciembre

  • Un día perfecto. En una zona en guerra, en la que los cascos de las Naciones Unidas tratan de controlar la situación, varios personajes viven sus propios conflictos; Sophie quiere ayudar a la gente, Mambrú quiere volver a casa, y Katya quiso una vez a Mambrú. Por su parte Damir quiere que la guerra termine, Nikola quiere un balón de fútbol, y B no sabe lo que quiere.
  • Penny Dreadful (TV series). A la Inglaterra victoriana pertenecen famosas obras literarias como Frankenstein, Drácula o El retrato Dorian Gray. Un atormentado explorador, una vidente que oculta secretos, un pistolero americano y un prometedor cirujano se unen en el Londres victoriano para combatir una amenaza sobrenatural y rescatar a una joven desaparecida. RECOMENDABLE
  • The Affair (TV series).  Noah es profesor de instituto, casado y padre de cuatro hijos, que un verano conocerá a Allison (Ruth Wilson), una mujer que intenta recomponer su vida tras haber sufrido una tragedia.
  • Y de repente tú (Trainwreck). Desde pequeña, Amy ha oído a su padre decir que la monogamia no es un estado realista. La periodista vive de acuerdo con las creencias de su padre, disfrutando de una vida sin ataduras, libre de aburridas promesas románticas. Sin embargo, ha llegado a un punto muerto. Cuando descubre que se está enamorando del hombre al que dedica un artículo, un encantador y exitoso médico deportivo llamado Aaron Conners, Amy se replantea sus creencias y su estilo de vida. 
  • Roger Waters the Wall. Documental que registra varios conciertos realizados entre septiembre de 2010 y 2013 en los que se recuerda el clásico "The Wall". GRAN COMPRA (PARA FANS DE PINK FLOYD)
  • Ricki (Ricki and the Flash). Ricki es una guitarrista que lo abandonó todo para alcanzar su sueño de convertirse en una estrella de rock. Su ex marido Pete le pide que viaje hasta Chicago para visitar a Julie, la hija de ambos, pues se está divorciando y necesita apoyo. 

31 diciembre


  • En tercera persona (Third person). Tres historias de amor tienen lugar simultáneamente en tres ciudades: Nueva York, París y Roma. Un escritor neoyorquino, que acaba de separarse de su esposa y se encuentra en París, mantiene una relación más bien problemática con su amante. Una madre neoyorquina niega tajantemente ser la responsable de un accidente que casi le cuesta la vida a su hijo. El padre del niño intenta que culpen a su mujer de negligencia para conseguir la custodia. En Roma, un empresario estadounidense, se enamora hasta tal punto de una gitana que participa en la liberación de la hija de su amante, a la que ha secuestrado un mafioso.

Los duendes del polvo, el gatobús y por supuesto Totoro, estos son algunos de los personajes de fantasía creados para la ocasión por el genio fantasioso por excelencia Miyazaki. Una ubicación pura, natural y por encima de todo utópica, en medio de la campiña japonesa (con sus arrozales, praderas y bosques intrínsecos) sitúan a una familia protagonizada por, como no podía ser de otra manera, dos niñas imaginativas y soñadoras, curiosas y fisgonas, tiernas e inocentes. Todo un alarde de creatividad por parte del realizador, que nos sumerge en su mundo en apenas hora y media y logra transmitir esa importancia y vitalidad al medio natural, a los orígenes de la sociedad, esa en la que todos arrimábamos el hombro por el vecino y en la que la tranquilidad era una constante. Pasando al apartado técnico, el estudio Ghibli lo logra de nuevo, haciendo de la película un espectáculo visual y colorido, donde cada escena es especial, única y fresca. Por último, la banda sonora. Este es mi apartado más sobresaliente ya que relaja al espectador y a la vez resulta un ingrediente fundamental del film debido a que no es meramente ambiental, ni mucho menos. A ratos, resulta enriquecedor cerrar los ojos y disfrutar de la combinación de piano y chelo que nos propone el magnífico Joe Hisaishi. "Kaze No Tori Machi", por ejemplo, está a la altura de cualquiera de las mejores composiciones hechas para el cine.


Mi veredicto es rotundo, esta es una de esas escasas películas que tanto niños como adultos agradecen. Los niños soñarán, emularán sus aventuras y vivirán una experiencia inestimable. Los adultos reflexionarán, verán su trasfondo y les devolverá a la época en la que la malicia reinante de una sociedad cambiada todavía no había calado ni en sus mentes ni en sus corazones.

8.5/10: LA GRANDEZA DE LA INOCENCIA

¿Qué demonios tiene este título que ver con nada cinematográfico? Esa pregunta que os estaréis haciendo, también me la hice yo cuando empecé a escribir este pequeño artículo de carácter reflexivo. Y es que a veces mi mente divaga -no os preocupéis que no se me va la olla-, me pongo a pensar sobre algo que me ha ocurrido recientemente y empiezo a darle vueltas y vueltas y más vueltas y cuando vuelvo en mí, son las dos de la mañana. De ninguna manera va a convertirse esto en una tónica, el blog seguirá girando entorno al cine, pero hay ocasiones en las que tus manos no paran, te suplican que las dejes escribir aunque sean chorradas. 

Así que dicho esto, me gustaría empezar presentando el tema que voy a tratar: la tecnología. Antes de nada, quiero dejar claro que no soy un detractor obstinado de la tecnología ya que soy consciente de la comodidad, facilidad y rápida ejecución de tareas que éstas nos permiten, no tengo ningún problema en aceptar su utilidad ni menosprecio su trabajo. Sin embargo -siempre tiene que haber un pero-, las tecnologías no son todo ventajas. Quizás no sean claras las desventajas, no se pueden cuantificar ni señalar a simple vista porque no las encontrarás; te simplifican innumerables tareas que antaño eran extremadamente complejas, son eficientes y fiables y hasta puedes ver películas en ellas. No, las nuevas tecnologías se han vuelto imprescindibles pero, ¿eso es bueno? Hace unos días, me encontré en un bar a dos personas, sentadas juntas alrededor de una mesa con consumiciones. ¿De qué discutían? De nada. Estaban ahí, por estar, sentadas mirando cada una a sus móviles, pegadas a la pantalla como si se tratase de una prolongación de sus extremidades. En ese momento pensé, bueno estarán mirando algo de interés, será algo momentáneo. Una hora después, ahí seguían sin mediar palabra -¡a no ser qué el móvil tuviera algo que decir claro!- y de las dos personas, la más participativa resultaba ser el maldito teléfono, ese cacharro era la única forma de verlas conversar, de compartir algo por insignificante que fuera. 


Somos los únicos animales racionales con lenguaje y no nos sirve para nada porque ya ni hablamos, nuestras conversaciones cada vez son más simples y monótonas, nos falta entrenamiento y gran parte de esa carencia viene con la sobreexplotación de las nuevas tecnologías. Aún recuerdo los Motorola, aquellos ladrillos eran ingobernables, unos auténticos dinosaurios pero satisfacían una necesidad: llamar sin línea fija. El smartphone fue varios pasos más allá, nos configuraron un ordenador en un dispositivo tan pequeño que hasta lo podíamos llevar en el bolso del pantalón y entonces cambió todo, nuestro estilo de vida mutó. Las puertas de Mordor se abrieron, la gente ya no necesitaba de otra persona para charlar, ¡lo podía hacer con el móvil! Tampoco tenían que salir más a la calle para buscar diversión ¡el móvil te la proporcionaba! Ya no había una razón para salir de casa; los móviles, las televisiones y los ordenadores te hacían compañía -pagando un pertinente precio-. El problema viene cuando nos volvemos esclavos y el CEO de Silicon Valley sostiene la vara de poder, mientras el pobre infeliz adicto a su celular paga sumas absurdas de dinero por poseer el último juguete “made in China”. Ahí es cuando perdemos el norte y nos convertimos en marionetas al servicio del poderoso. No abogo por un mundo sin tecnología, porque eso me convertiría en un hipócrita, sino más bien por un control sobre ella, utilizándola como en su día se utilizó la máquina de escribir o la radio. No basemos alrededor de ella nuestras vidas, no las introduzcamos en una base de datos porque su lugar no está almacenada en ceros y unos sino en experiencias y vivencias. Esa clase de vivencias que sólo podemos obtener saliendo y descubriendo cosas por nosotros mismos.


Espero no haberme alargado mucho, mi intención no es sentar cátedra sino exponer una opinión, mi opinión sobre un tema que me escuece mucho y que tan integrado parece estar en nuestra sociedad. Os emplazo a comentar, contradiciéndome o compartiendo mi punto de vista, siempre desde el respeto y la comprensión.
Ficha técnica


Título
: Cidade de Deus

Año: 2002

Duración: 130 min.

País: Brasil

Director: Fernando Meirelles, Katia Lund

Guión: Braulio Mantovani (Novela:

Fotografía: César Charlone

Música: Antonio Pinto, Ed Cortes

Reparto: Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino, Phellipe Haagensen, Douglas Silva.

Género: Drama. Basado en hechos reales. Drogas. Pobreza. Adolescencia

Sinopsis: Cidade de Deus describe el mundo del crimen organizado en un suburbio de Río de Janeiro, desde los años 60 hasta los 80. Durante este tiempo, la violencia y el tráfico de drogas dominaban las calles de las favelas.
Albert Green -mejor conocido como Al Green- nació un 13 de abril de 1946 en Arkansas y es considerado, por muchos, como uno de los cantantes norteamericanos de Funk y Blues más influyentes. Durante sus inicios en Midland, Green actuaba en clubes nocturnos como solista, inspirado por sus ídolos Wilson Pickett, Sam Cooke o James Brown, entre otros, fue descubierto por el vicepresidente de una casa discográfica quien,  impresionado por su talento, lo llevó a Memphis para grabar su primer disco. 

No obstante, su explosión dentro del mundo de la música llegó en 1972 con el álbum Let's stay together, dentro del cual figuraba el single homónimo que lo catapultó a la fama y que se mantuvo en el número uno de las listas de EE.UU. durante nueve semanas consecutivas.

Tired of being alone es una canción del álbum Al Green Next To You (1971). En su día ocupó el puesto número 12 en la lista de mejores canciones del año 1971. Una canción soberbia, melancólica y melódica, que demuestra el enorme talento vocal de este cantautor de leyenda. 


1916, I Guerra Mundial. Nos situamos en el frente francés donde el general Mireau, empujado por su afán de poder, dirige un ataque ambicioso, a la par que loco, a uno de los puntos estratégicos defensivos alemanes. El resultado es nefasto, como era de prever y el oficial al mando de la operación, el coronel Dax, verá que tal vez hay más enemigos en su propio bando que en el contrario.

Gran película de Kubrick, otra más, suma y sigue. Soberbia interpretación de lo que fue la I Guerra Mundial: desorganización, malas decisiones, muchas bajas y pocos culpables del desastre pagándolo. Nos muestra la guerra tal y como era en la época -sucia y rastrera- y nos enseña que siempre habrá un doble rasero con el que medir las acciones del malhechor. Por un lado tenemos a la "élite" militar francesa, dominada por hipócritas trajeados que se pasean por grandes palacios mientras juegan a ser dioses; por otro, tenemos a los pobres subordinados, que no hacen más que acatar órdenes y sufrir las consecuencias de las mismas. Kubrick nos retrata, a través de la atenta mirada de Kirk Douglas, las miserias de la guerra como ninguna otra y constatamos como la clase dirigente siempre pis
oteó y pisoteará a los honrados. Las interpretaciones están todas a un altísimo nivel, siendo los tres soldados víctimas de la injusticia los grandes protagonistas de la cinta. La banda sonora, ambiental en momentos de batalla y musical en otros, está perfectamente llevada -siendo en la parte final del filme portentosa-.


Para terminar, mi opinión es que estamos ante una de esas grandes desconocidas de la filmografía de Kubrick, pero no por ello (ni mucho menos) significa que sea de menor calidad sino todo lo contrario. Abrumadora película, de corta duración pero muy intensa, sin perder ni un minuto en sentimentalismos, vital cinta para cualquier apasionado del cine y más concretamente del de Kubrick. Me quedo con una frase hacia el final de Menjou, considerando estúpido cualquier idealismo, porque al final la realidad se impone y lo desmonta.

10/10: SEÑOR COMANDANTE, ¿POR QUÉ NO LUCHA USTED?
Ficha técnica


Título: Strange Days


Año: 1995


Duración: 140 min.


País: EE.UU.

Director: Kathryn Bigelow

Guión: James Cameron

Fotografía: Matthew F. Leonetti


Música: Graeme Revell



Reparto: Ralph Fiennes, Juliette Lewis, Angela Bassett, Vincent D'Onofrio, Tom Sizemore.



Género: Ciencia Ficción. Thriller. Cyberpunk.


Sinopsis: Quedan dos días para el comienzo del año 2000 y las calles están llenas de gente festejando. Lenny, expulsado de la Brigada Antivicio, forma parte de este tumulto y se aprovecha de la situación para vender unos clips que reproducen las vidas de otras personas.

Un thriller frenético, escrito por James Cameron (Aliens, Terminator), que puede resultar confuso en algunos momentos pero enganchará a todos los amantes del buen cine negro ambientado en un futuro oscuro y degradado muy al estilo de Blade Runner. Infravalorado y maltratado filme que aúna cyberpunk, acción, suspense y personajes interesantes en una mezcla sensacional de entretenimiento.
"Amor" es la última cinta del austríaco Michael Haneke y nos sorprende con una historia muy íntima y personal sobre la vejez, el paso del tiempo y el inexorable camino a la muerte. No maquilla nada, no deja nada a la imaginación y por eso es tan genial, por retratar la vida tal y como es. Soberbio filme que ahonda, cual Bergman, en los sentimientos que nos hacen humanos y explora los rincones más yuxtapuestos del alma, llevándote hasta la extenuación por tal mordaz retrato de nuestra esencia.

Empezando por la dirección, Haneke se apoya en planos largos que aprovechan excelentemente la profundidad del piso donde se desarrolla la película y planos cortos que muestran la crudeza de los sentimientos por los que atraviesan los protagonistas. Filma con frialdad y austeridad, dándole más empaque y sensación de agobio a la cinta. Trintignant y Riva están perfectos -así como Huppert que aunque tenga un papel menor cuando aparece aporta- haciendo de binomio apabullante,lleno de ternura y tristeza, logrando tanta complicidad con el espectador que traspasa la pantalla y nuestros corazones. La música, parte importante, está muy bien acompasada con el ritmo narrativo y siempre añade algo a la escena.


En conclusión, he de decir que sufrí viéndola, no la disfrute ni lo pretende. Habla de sinceridad, de fidelidad, de sufrimiento y de vigor por un amor, por una persona, por un estilo de vida y eso no siempre es divertido (ahora bien, quien vaya a ver una película de Haneke pensando en divertirse incurre en un craso error). Tras verla, adquieres una visión mucho más global de las etapas de la vida -juventud, madurez y vejez- ampliando miras y demostrando que es mucho más corta de lo que creemos. Conmueve como pocas, muestra una brutal prueba de amor, imperecedero y genuino, de ese que tanto escasea y que tan preciado y necesario es en esta sociedad de hoy en día. Véanla, por favor, porque esto más que una película, es una afirmación del compromiso.
Tank! es el tema de apertura realizado por la banda japonesa de jazz/bebop The Seatbealts para la serie de anime Cowboy Bebop. Esta canción forma parte del álbum Cowboy Bebop, el cual recopila toda la fantástica banda sonora de esta serie, que recomiendo encarecidamente.  

Ficha técnica

Título: Mean streets

Año: 1973

Duración: 110 min.

País: EE.UU

Director: Martin Scorsese

Guión: Martin Scorsese

Fotografía: Kent Wakeford

Reparto: Robert De Niro, Harvey Keitel.

Género: Drama. Mafia.

Sinopsis: Charlie (Harvey Keitel) vive en un barrio conflictivo de Nueva York, donde trata de escalar dentro de la mafia italiana del lugar. Poco a poco, su vida su vida se convertirá en una olla a presión de la que le será imposible escapar.
Una de las primeras obras de Martin Scorsese y la primera del exitoso dúo cinematográfico De Niro-Scorsese. Malas calles se podría catalogar como un pseudo documental sobre la vida de jóvenes italoamericanos en la NY de los 70 con el toque distintivo de violencia tan característico del realizador.
Spectre es la vigésimo-cuarta película de James Bond, la cuarta para Daniel Craig y si habéis visto sus anteriores entregas, sentiréis como si cada una de ellas estuviera construyendo un momento, éste momento. Sam Mendes regresa, a su vez, tras el inmenso éxito que supuso Skyfall en 2012 -recaudando más de un billón de dólares- para poner el ¿punto final? Como no podía ser de otra manera el reparto es estelar: Christoph Waltz, Monica Bellucci, Ralph Fiennes, Léa Seydoux, Ben Whishaw y Naomie Harris entre otros acompañan a Daniel Craig en su nueva aventura. La trama nos muestra a un Bond en búsqueda de una organización fantasma, que tendrá que derrocar antes de que sus malévolos planes se hagan realidad. Franz Oberhauser (Christoph Waltz) lidera esta corporación que actúa en las sombras, moviendo los hilos de la sociedad contemporánea a su favor. Para ello, Bond deberá hacerle frente a los fantasmas de su pasado y desenmascarar al villano que ha estado moviendo los hilos de su vida todo este tiempo. Personajes como Sr. Blanco o Vesper Lynd serán traídos de vuelta, algunos física otros psicológicamente ya que todos ellos conforman al James Bond que vemos en Spectre. De alguna manera, éste es el capítulo final, la cuadratura del círculo que muchos estaban pidiendo.

Me gustaría comenzar diciendo que probablemente ésta sea la entrega de Bond con mayor y mejor factura hasta la fecha. Con Skyfall, Roger Deakins dejó impronta y elevó a Bond a otra categoría, con Spectre establecemos dicha calidad como una constante. La franquicia del personaje de Ian Fleming jamás se ha prodigado por ser visualmente apabullante y es que, si bien siempre cumplió en este ámbito, nunca hemos asociado a Bond con una fotografía excelsa. Fue en Skyfall que la fotografía cobró mayor peso en el conjunto del filme. En Spectre ocurre algo similar con Hoyte van Hoytema (Interstellar, Déjame entrar, Her), el elegido por Eon para filmar la cinta. Cada fotograma deslumbra, cada localización que nos muestran se retrata bellamente y cada conversación queda grabada en nuestras retinas. Van Hoytema nos promete, desde el plano-secuencia del preludio, que presenciaremos una obra de arte fílmica y hasta los créditos finales mantiene dicha promesa. 
El director Sam Mendes, acérrimo fan del agente británico, se decanta en esta ocasión por la espectacularidad y el derroche de recursos prácticos, así como una gran lista de lugares repartidos a lo largo y ancho del planeta y pese a que huye de la sobriedad, seriedad y solemnidad que hicieron tan exitosa a Skyfall a Mendes no le sale mal la jugada, proporcionándonos un sublime producto de entretenimiento. Porque Spectre es sinónimo de diversión, si buscas algo más profundo puede que te decepcione. Teniendo en cuenta que contó con un presupuesto aproximado de 350 millones dólares -en comparación con los 200 que costó su predecesora- convirtiéndose en la cinta de Bond más cara en sus 53 años de historia, era de esperar algo más bombástico y exagerado. Dicho esto, la trama sufre un tanto de dicho espectáculo pirotécnico, convirtiéndose más en una premisa para justificar explosiones, persecuciones y peleas que en un argumento elaborado como fue el de Casino Royale. Aquí Bond es “El increíble Bond”, enfundándose el traje de superhéroe y repartiendo estopa al que se le interponga. Llevábamos desde 2006 sin ver al Bond invencible -exceptuando Quantum-, ese que salía airoso de cualquier embrollo, por difícil que fuera y personalmente creo que la franquicia necesitaba una vuelta a sus orígenes, sin descuidar el tono cimentado estos 9 años. Mis problemas con Spectre llegan en su tercio final, donde tengo la impresión de que los guionistas no sabían como superar las cotas de acción auto-impuestas durante el metraje y terminaron por convertirlo en una comedia accidental, tirando la casa por la ventana y cerrando los ojos esperando que todo saliera bien. El otro problema es la sub-trama que crean complementaria al viaje personal de Bond,  que carece de desarrollo y cae un tanto pesada por momentos. La película dura dos horas y media y no es que se haga larga pero sí siente desaprovechada, pudiendo haber empleado más metraje en algunos aspectos principales de la historia a costa de los colaterales. De esta forma, habrían explotado mejor el carisma de Christoph Waltz en pantalla u otorgado más peso a la evolución de odio en amor de Swann hacia Bond logrando que no resulte todo tan abrupto. Los diálogos, por otra parte, siguen siendo tan irónicos y ocurrentes como siempre, un sello de calidad que la diferencia de otras franquicias de espías como Misión Imposible. Los actores y actrices son absurdamente carismáticos y atractivos: Craig aporta experiencia, Bellucci misterio y sensualidad, Seydoux magnetismo e ingenio y Waltz sarcasmo made in Tarantino. 
La música compuesta por Thomas Newman sigue el estilo de Skyfall, tomando incluso algunas piezas de ésta. En cuanto a la introducción, visualmente aprueba con nota aunque, desafortunadamente suspende con el single Writing’s on the wall de Sam Smith, el cual no pega en absoluto ni con la película ni con el personaje de James Bond, quedando a años luz de Skyfall de Adèle.


En definitiva, Spectre es una muestra de que el Bond del siglo XXI sigue guardando algo de aquel inmortalizado el siglo pasado, constituyendo un gran homenaje a su pasado sin olvidarse de su prometedor futuro. Regresan los gadgets, las chicas, los villanos excéntricos y toda esa iconografía que conforma al más sexista, polémico, conflictivo y pese a todo ello al personaje más apreciado de la historia del cine. Daniel Craig, por su parte, podrá regresar -si decide hacerlo- en otra nueva entrega ya que el final deja la puerta completamente abierta a una continuación. Connery, Lazenby, Dalton, Moore, Brosnan o Craig, da igual quien lo encarna porque él es Bond, James Bond y ahí sigue en su 53 aniversario para recordarle al mundo por qué sigue siendo el mejor de todos los espías.



8/10: MARTINI CON VODKA...AGITADO, NO REVUELTO




Primero quiero decir que Stanley Kubrick no se prodiga precisamente por dejarnos indiferentes con sus películas (La chaqueta metálica, La naranja mecánica, etc.) pero debo decir que ésta es claramente la película mas abstracta de su filmografía.

Para empezar las escenas rozan la locura, con extenuantes tomas y diálogos parcos que en cualquier otra película parecerían un despropósito, tedioso y monótono. Pero, sorprendentemente (si no viste la película y estás leyendo esto) es exactamente eso lo que la hace tan especial. Con un estilo donde prima lo visual por encima de lo argumental y esa mística que rodea a los personajes, Kubrick te hace embarcarte en una aventura por la búsqueda del significado humano que te deslumbra y te hará reflexionar mucho.

En conclusión, ésta película es como el buen vino: cuanto más añejo mejor. Es y será vista como una obra imperecedera que sobrevivirá al paso de los años con la misma frescura, ya que su pregunta es intemporal: ¿Qué somos y cuál es nuestro origen?



10/10: DESCUBRIENDO LA BELLEZA DE LO DESCONOCIDO, EXPANDIENDO LAS FRONTERAS DE NUESTRA IMAGINACIÓN, CULTIVANDO NUESTRO INTELECTO.
Ficha técnica


Título
: Camino a la perdición

Año: 2002

Duración: 120 min.

País: EE.UU.

Director: Sam Mendes

Guión: David Self (Cómic: Max Allan Collins)

Música: Thomas Newman

Fotografía: Conrad Hall

Reparto: Tom Hanks, Jude Law, Paul Newman, Daniel Craig, Jennifer Jason Leigh, Ciarán Hinds.

Género: Cine negro. Drama. Mafia. Gran Depresión.

Sinopsis: En los oscuros años de la Gran Depresión, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo que profesa una lealtad inquebrantable a su jefe, el señor Rooney (Paul Newman), pero también es un buen padre de familia. Un día, inesperadamente, el hijo de Sullivan decide seguir a su padre para averiguar en qué consiste exactamente su trabajo.


Irrational man es la nueva obra del iconoclasta realizador neoyorquino Woody Allen que ahonda, de nuevo, sobre otra cuestión controvertida. Para ayudarle en esta misión, Allen cuenta con un reparto estelar, encabezado por el genial Joaquin Phoenix -su primera colaboración con el director-, Emma Stone -con la que ya trabajó en Magia a la luz de la luna- y Parker Posey entre otros. La historia sigue a Abe Lucas (Phoenix), un profesor de filosofía que está de vuelta de todo y vive sumido en un estado de apatía y depresión. Sin embargo, al poco de llegar a una pequeña universidad americana conoce a dos mujeres: Rita Richards (Posey), profesora en la universidad y admiradora de su trabajo y Jill Pollard (Stone), una joven estudiante de filosofía asidua a sus clases y gran entusiasta de su obra. Lucas comienza así una doble relación, que termina por consolidarse con ésta última, con la que pasa mucho tiempo debatiendo sobre los avatares de la vida. Un día, Lucas le da sentido de nuevo a su vida, recobrando la felicidad pero, ¿esa felicidad es sostenible y peor aún, es justificable?

Entrando en territorio de spoilers -¡estáis avisados!-, creo que Allen firma con Irrational Man una de sus películas más dramáticas desde Match Point (2005). Mientras Blue Jasmine, indagaba en la psique de una mujer hundida tras caerse de un pedestal de riqueza y encontrarse de golpe con la cruda realidad de la vida, Irrational Man -al igual que Match Point- busca plantear al espectador un dilema: ¿puede el asesinato llegar a ser justificable? Algo tan terrible y moralmente repugnante como asesinar, ¿puede exculparse si la víctima es una mala persona? y de ser así, ¿cuándo podemos definir, inequívocamente, a una persona como execrable, si podemos? Para empezar, la historia que nos relata el bueno de Woody tiene como víctima a un juez que, lejos de ser imparcial, deja la custodia de unos hijos al padre de familia que según la película, no los cuida debidamente. El susodicho juez no tiene familia, ni hijos ni esposa. Claro que este escenario es ficticio y completamente superficial, ya que ni conocemos la vida del juez ni su modus operandi, fuera de esa acción mencionada anteriormente, así que probablemente Abe Lucas, el perpetrador, tuviera razones fundadas para acabar con su vida y así impedir tal injusticia. Como dice el propio Abe, si con su muerte consigue hacer de este impío mundo infinitesimalmente mejor y darle una oportunidad a la madre de conseguir la custodia de sus hijos, los cuales a su vez se beneficiarían de ello, entonces está en paz consigo mismo. Pero claro que toda acción tiene repercusiones, incluso el crimen perfecto es susceptible de ser descubierto y entonces el criminal tendrá que vérselas con la ley y la justicia impuesta por la sociedad moderna. Aquí entra Jill Pollard, la despierta estudiante de filosofía que, enamorada de Abe, comenzó a sospechar de su radical cambio de conducta, coincidiendo con la muerte del juez. Tras hacer sus pesquisas e indagaciones, descubrió la terrible verdad. Abe Lucas era un asesino y ella lo sabía, ¿por qué el destino había provocado que la persona a la que amaba y admiraba fuera también un delincuente? Una disyuntiva moral se le planteaba a Jill y debía decidirse. Tras darle vueltas, llegó a la conclusión de que no podía seguir junto a él. No sólo eso, sino que debía plantearle un ultimátum: o se entregaba a la policía o ella lo delataría. Abe Lucas no era un criminal frío y sin escrúpulos y pronto comenzó a inquietarse. ¡No puedo ir a la cárcel!, se repetía el profesor, pero tampoco podía huir sabiendo que algún inocente pudiera cumplir la pena en su lugar. Finalmente, Abe sucumbió y se dejó llevar por sus miedos y, para evitar la cárcel, debía matar a la única persona que sabía la verdad: Jill. Ahí es cuando Woody nos muestra la caída de un ideal, la imposibilidad de impartir la justicia por tu mano. Una vez ha asesinado, abre la posibilidad de volver a matar y no siempre la causa será “justa”. Y es que el término justo en este terreno no es, ni mucho menos, absoluto y la película es consciente de su proposición. No todo en la vida es blanco o negro, bueno o malo, moral o amoral y el final nos lo demuestra una vez más.


Abe es la representación de la contradicción, quiere acabar con los malos hasta que se convierte él mismo en uno. Tristemente, el final nos recuerda que en este mundo de hienas, sanguijuelas y malhechores, más vale prevenirse que curar y si por algún azar te encontraras ante un animal escapa, porque la balanza está desequilibrada y desgraciadamente no de la parte de los buenos.


7,3/10: MATAR O NO MATAR, ¿ESA ES LA CUESTIÓN?
Valoración (de mejor a peor): Gran compra, recomendable, en rebajas y ¡no, gracias!
Nota: aquellas que no tengan valoración, se debe a que no las he visto.

4 noviembre

  • Blind. Película noruega que narra la vida de Ingrid, una mujer que tras quedarse ciega decide volver a su hogar.

  • El niño 44. Thriller protagonizado por Noomi Rapace y Tom Hardy ambientada en la época de la Unión Soviética. Leo Demidov deberá investigar por su cuenta una serie de misteriosos asesinatos de niños, contraviniendo órdenes de sus superiores. ¡NO, GRACIAS!

  • Apocalipsis: La Primera Guerra Mundial. Miniserie de 5 episodios sobre los desastres de la Primera Guerra Mundial. Desde las trinchera del norte de Francia hasta las menos conocidas de Serbia, Rusia o Palestina, este documental lleva las voces de los combatientes, sus recuerdos y experiencias con el objetivo de sentir este Apocalipsis.
6 noviembre

  • Los Minions. Cinta de animación, spin-off de Gru, que causó furor en las taquillas del mundo entero recaudando más de un billón de dólares. Definitivamente, una a tener en cuenta para los más pequeños de la casa como regalo para las navidades.

  • La canción del mar. Película de animación irlandesa, nominada a mejor cinta de animación en los Oscar de 2014. Fantasía, imaginación y aventuras a raudales en sus 90 min. de duración garantizan entretenimiento de calidad.
18 noviembre
  • Del revés. Una de las mejores obras en lo que va del año, otra joya de Pixar que seguramente sonará fuerte para los Oscar en su categoría. Toda una aventura emocional que enseña tanto a jóvenes como a adultos la importancia de mantener una actitud positiva y de no caer en la depresión. Un lección de vida, esencial para un crecimiento mentalmente sano. GRAN COMPRA

  • Love & Mercy. Biopic sobre el músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys en la década de los 80, sobre su influencia en la música y sus problemas nerviosos que propiciaron su relación con el controvertido Dr. Eugene Landy.
20 noviembre

  • Terminator Génesis. Decepcionante secuela de la que poco queda por decir. Acción carente de tensión, personajes unidimensionales reciclados de entregas anteriores y la chirriante participación del T-800 senil. En definitiva, una aberración del séptimo arte que merece ser exterminada. ¡NO, GRACIAS!
26 noviembre

  • Ant-Man. Un nuevo superhéroe de Marvel emerge de la nada para darnos una de las sorpresas más gratas del verano. El hombre hormiga le ha pasado por encima a los dinosaurios de Jurassic World, las máquinas de Terminator Génesis y hast a sus propios compañeros de Los Vengadores: La era de Ultrón. EN REBAJAS




Me quedo sin adjetivos para describir "Interstellar", la nueva obra de arte del maestro Christopher Nolan y es que el británico hace del celuloide un lienzo, en el cual retrata no solo una aventura espacial de órdago, visualmente insuperable -a la altura de 2001- sino también una epopeya, una montaña rusa de emociones que te hará pasar unas memorables tres horas sentado en la butaca.

Esto es cine, por películas como ésta amo el séptimo arte y a ellas les debo estar escribiéndoos ahora mismo. Podrá gustarte más o menos -jamás ha existido una película que agrade a todo espectador, ni existirá- lo que si es seguro es que cuando salgas de la sala sentirás que has visto algo nuevo, fresco y original, no te quedarás indiferente después de verla, te sorprenderá y te hará soñar con la infinidad del universo.

Prefiero no alargarme demasiado porque la película habla por sí misma. Quiero decir, sin entrar en detalles, que el guión es muy completo: te hará reír, llorar, fascinarte e inquietarte, te mostrará al ser humano en su vasta complejidad emocional, el potencial que tenemos y las metas que -de momento- soñamos con alcanzar . Las actuaciones son excelentes, a nadie se le notó fuera de lugar, todos cumplieron perfectamente con su personaje -mención especial para el veterano y legendario Sir Michael Caine que merece el respeto y admiración de todos-. La dirección de Nolan muestra a uno de los mejores y más prolíficos cineastas -sino el que más- del siglo XXI y la banda sonora de órgano es, en una palabra, hermosa. Por favor, véanla y saquen sus propias conclusiones, mientras yo comparto aquí, en nuestro foro, sincera y honestamente las mías.

9/10:  NO ENTRES DÓCILMENTE EN ESA BUENA NOCHE.
Lanzada en 1971 como canción principal de la banda sonora para la película del mismo año "Sacco y Vanzetti", Here's to you es el resultado de la colaboración entre el maestro compositor Ennio Morricone -conocido por su complicidad con Sergio Leone, especialmente en la Trilogía del dólar- y la cantante Joan Baez. 
La canción rinde tributo a dos inmigrantes italianos, Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti, de ideología anarquista que fueron acusados de robo y asesinato y sentenciados a muerte por un juzgado estadounidense en los años 20. Años más tarde se descubrió que el juicio no fue tanto una cuestión criminal como política. Sacco y Vanzetti fueron acusados sin pruebas de aquellos delitos y asesinados debido su ideología. La letra, de Joan Baez, estuvo inspirada en una carta escrita por Vanzetti y reza lo siguiente:

"Here's to you, Nicola and Bart,
Rest forever here in our hearts
The last and final moment is yours,
That agony is your triumph".

"Para vosotros, Nico y Bart,
Descansad por siempre en nuestros corazones
El momento último y final es vuestro,
esa agonía es vuestro triunfo". 

Dejando de lado el debate ideológico, creo que entre la vasta colección de éxitos del Sr. Morricone "Here's to you" puede pasarse por alto, pero no por ello debe ser olvidada. Espero que os guste y, como siempre, la sección de comentarios está a vuestra disposición.



Nausicaä es la primera película hecha por el studio Ghibli y probablemente sea, a día de hoy, una de las mejores películas que hayan producido. La historia se centra en un mundo post-apocalíptico, donde la raza humana ha sido diezmada y separada en tribus de distinto calado las cuales comparten un mismo propósito: sobrevivir ante la creciente amenaza de una naturaleza tóxica, letal e invasora.

Miyazaki crea un mundo original y atractivo al espectador. Un paisaje desértico y derruido contrasta con prados verdes de fantasía, ciudades amuralladas y una flora y fauna variada y pintoresca. Los modelos de las aeronaves no se quedan atrás, habiendo muchos y muy diferentes, pero lo que más me llama la atención son los personajes, sus diversas motivaciones y personalidades y la manera en la que Miyazaki los entrelaza para construir una verdadera cinta épica, con tintes oscuros, pesimistas -sobretodo con el futuro de la raza humana- y bélicos. La música compuesta por el genio Hisaishi es, como siempre, excepcional adaptando la banda sonora a cada una de las escenas del film. La animación no necesita presentación. En mi opinión, puede que esta sea una de las mejores películas anime, dada su originalidad, guión, belleza visual y sonora y teniendo en cuenta los años que tiene se puede catalogar como una de esas obras atemporales.


En conclusión, maravillosa película que aúna en 120 minutos acción, fantasía, aventura y por supuesto ese sello de calidad que el studio nipón ha patentado. Si creías que Ghibli solo creaba cintas costumbristas, deben ver esta película. Si son aficionados a la ciencia ficción con una historia trabajada, véanla y, por supuesto, si son amantes del cine de este maestro del anime esta obra les sorprenderá.

10/10: CIMENTANDO LA LEYENDA
Título: Misery

Año: 1990

Duración: 100 min.

País: EE.UU.

Director: Rob Reiner

Guión: William Goldman (Novela: Stephen King)

Fotografía: Barry Sonnenfeld (conocido realizador de Hombres de negro/MIB)

Música: Marc Shaiman

Reparto: Kathy Bates, James Caan, Frances Sterhagen.

Género: Terror psicológico. Secuestros.

Sinopsis: Paul Sheldon (James Caan) es un escritor que se siente encasillado en sus novelas románticas, de gran éxito comercial, cuya protagonista se llama Misery Chastain. Harto de la situación, decide matar al personaje y aislarse en Colorado decidido a escribir una novela seria. Terminado su trabajo, emprende el regreso a casa cuando, súbitamente, pierde el control del coche y descarrila. Por suerte, una residente acude a su rescate salvando su vida y llevándolo a su aislada casa en medio del paraje nevado. Ésta dice ser su fan número uno, apasionada lectora de los libros de Misery y fiel admiradora de Sheldon, al que idolatra. Sin embargo, la admiración se convierte en obsesión y la obsesión en locura.

Personalmente, no hay mejor película para pasar Halloween que ésta, ya que el terror se mete bajo la piel y no sale durante mucho tiempo. No tiene monstruos sobrenaturales, ni malvados seres del inframundo, en Misery encontrarás el peor de los terrores: el de la mente humana. Sensacional tour-de-force de Kathy Bates, una de esas actrices infravaloradas, que demostró en esta cinta una tremenda versatilidad pasando de 0 a 100 en cuestión de un momento. James Caan, por su parte, ejerce de espejo para el público, con una interpretación más facial que dialectal donde transmite, con una simple muesca, esa necesidad y desesperación del desamparado.
Con motivo de estas 2000 visitas me decidí a redactar una breve nota donde poder expresaros mi sincero agradecimiento. Como habréis deducido, me encanta el cine y decidí crear Universo Lumière con la finalidad de abrir un foro, una comunidad de apasionados al cine como yo, donde pudiéramos congregarnos virtualmente. Espero haber alcanzado mi objetivo y espero continuar haciéndolo con vuestro apoyo. Gracias por estar ahí en el otro lado de la pantalla, en esta gran red que llamamos Internet que consigue unir a gente de todo el globo terráqueo, de diferentes culturas y tradiciones, por una misma pasión como es el cine. Quiero enviar saludos a Alemania, Colombia, Chile, Rusia, Perú, México, Argentina, Estados Unidos, Suiza y por supuesto a España -espero no haberme dejado a nadie-. Vosotros habéis insuflado vida a este espacio y lo habéis ayudado a crecer con vuestras visitas, vuestros comentarios y vuestro seguimiento ¡Gracias!

Due to the 2000 visit mark, I took the decision of writing this brief note so I could express my gratitude towards you. As you might have already guessed, I'm a big film fan and I decided to create "Universo Lumière" with the main objective of hopefully opening a forum, a community of moviegoers like me, where we could join in and debate. I would like to think I'm reaching that dream and I hope I continue carrying it out, counting on your support.  So thank you for being there, on the other side of the pc/tablet/phone screen, in this vast network that we call Internet which allows this beautiful congregation of people from all around the globe, with its own traditions and points of view, for a same passion like cinema. To wrap it up, I want to send greetings to Germany, Colombia, Chili, Russia, Peru, Mexico, Argentina, United States, Switzerland and obviously to Spain -I believe I'm not missing anyone-. You've given life to this web and helped it grow thanks to your visits, comments and following. Thanks!







Hace 10 años que vimos una película de La guerra de las galaxias en los cines. Durante estos largos años, hubo momentos en los que la celebérrima saga de fantasía espacial parecía muerta y abandonada, más aún después del tremendo amargor que dejaron las precuelas entre un segmento importante de su audiencia -mayoritariamente aquellos que crecieron con las originales de los años 80-, que acusaron a George Lucas de caer en la comercialización y prostitución del concepto de la trilogía original que, años atrás, había maravillado al mundo entero e inspirado a muchas personas a dedicarse al mundo del cine. No obstante, el divorcio entre Lucas y su público propició que, por azares del destino, escriba este artículo. La venta de LucasFilm a Disney en 2012 fue el detonante de lo que hoy conocemos como Star Wars: El despertar de la Fuerza, que será el primero de tres nuevos capítulos que ha puesto en marcha Kathleen Kennedy, de Disney. Ahora, el universo de Star Wars está más vivo que nunca pero, ¿cuánto de ese prometedor futuro depende del éxito de la película dirigida por JJ Abrams?

Indudablemente Star Wars VII debe establecer los cimientos de esta revitalizada franquicia y si bien la respuesta no la conoceremos hasta el 18 de diciembre, los trailers hasta la fecha no han decepcionado sino que han sorprendido gratamente. Desde el primero hasta este último han demostrado saber equilibrar la introducción de los nuevos protagonistas y el homenaje a los veteranos. A juzgar por lo visto en ellos, parece que J.J. Abrams ha creado un híbrido entre tecnología y artesanía, novedad y vetustez. Durante la campaña publicitaria, el propio Abrams y Kennedy pusieron énfasis en "una vuelta a los orígenes", una unión de efectos especiales y atrezo, despejando así las dudas sobre uno de los aspectos más criticados de la última trilogía. Otro reproche fue la carencia de originalidad y de sustancia en los personajes, algo que quieren corregir. Con esta intención, despediremos a Han, Luke, Leia, Obi-Wan, Anakin/Darth Vader o Palpatine entre otros para acoger a Poe Dameron, Rey, Finn, Kylo Ren, Capitán Phasma o Líder Supremo Snoke, pero no os tiréis de los pelos porque aún aparecerán algunas caras conocidas, con la diferencia de que actuarán como secundarios, dejando paso a esta nueva generación de actores y actrices. Creo que un cambio de aires era imperativo, dejar atrás las precuelas que estropearon el misticismo de la mitología de Star Wars y movernos hacia el futuro. Espero que estos nuevos héroes logren empatizar con el público pero también que los villanos tengan un propósito, un pasado por desvelar, que no sean simples caricaturas. Profundizar en las razones que mueven a Kylo Ren a seguir los pasos de Darth Vader, desvelar los misterios que guarda el bastón de Rey, pasar un buen rato con Han y Leia o conocer el paradero de Luke Skywalker tras la muerte de su padre y ver que acciones emprende para poner freno a Snoke son algunas de las tramas que espero se planteen en este séptimo episodio. Además, La guerra de las galaxias siempre se jactó de tener grandes batallas aéreas y al menos un duelo a sable láser cargado de tensión y espectacularidad y el despertar de la Fuerza no será la excepción -sobretodo tras la inclusión de tres de los protagonistas de las películas de Redada Asesina en el reparto-.
 
En definitiva, Star Wars VII tiene razones de sobra para ilusionar y muy pocas para decepcionar. Todo apunta a que estamos ante una gran película de fantasía que los niños recordarán y los adultos volverán a sentir algo de esa magia que las cintas originales tenían a raudales y que hizo que nos apasionáramos por esta gran saga. John Williams volverá a deleitarnos con sus piezas musicales y el guión de Lawrence Kasdan -guionista del episodio V y VI- continuará teniendo parte de ese tono aventurero que tenían sus guiones previos.

Pero decidme, ¿cuáles son vuestras sensaciones sobre la película? ¿sois optimistas o pesimistas? Dejad vuestra opinión en comentarios.