Ficha técnica

Título
: Shadows and Fog

Año: 1991

Duración: 90 min.

País: EE.UU.

Director: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Fotografía: Carlo Di Palma

Música: Kurt Weill

Reparto: Woody Allen, Mia Farrow, John Malkovich, Kathy Bates, John Cusack, Lily Tomlin, Jodie Foster, Donald Pleasance.

Género: Comedia. Intriga. Asesinos en serie

Sinopsis: Un estrangulador está sembrando el terror en una ciudad sumida en una espesa niebla. Al insignificante Kleinman lo llaman para que participe en la captura del criminal. Sin embargo, su función dentro de la operación policial no termina de estar clara.

Del 26/02/16 al 28/02/16

Este fin de semana no hubo estrenos especialmente llamativos en 1996 con lo cual me tome la libertad de escoger tres obras que tienen mayor relevancia, en mi opinión. Tres películas muy diferentes, con temáticas muy distintas que comparten altas cotas de calidad. Alguna como El Nuevo Mundo tuvo un mal recibimiento en su estreno aunque más tarde sería reconocida como una de las mejores obras del filosófico realizador Terrence Malick. Por otra parte, Truman Capote, el biopic del escritor estadounidense homónimo obtuvo un Oscar a mejor actor para Philip Seymour Hoffman y cuatro nominaciones, entre ellas las de mejor película y director. 


HACE 10 AÑOS...



Tras el éxito que supuso La delgada línea roja, Terrence Malick quiso adentrarse en otro drama histórico, en este caso sobre la conquista de América a principios del siglo XVII. Inspirada en la leyenda de John Smith y Pocahontas, El nuevo mundo lidia con las diferencias culturales y amores imposibles. Estrenada en el Festival de Berlín, donde no obtuvo el mejor de los recibimientos por parte del público, éste es un derroche imaginativo del visionario Malick que requiere de una mente tan reflexiva como la suya. Es una de esas películas que ganan con el paso de los años.


Sophie Scholl narra la verdadera historia de un grupo de jóvenes valientes que formaron un movimiento de resistencia ante el nacionalsocialismo de Hitler en Alemania. Sophie Scholl era la única mujer de un grupo cuyo fin era reclamar, por una vía pacífica, la caída del Tercer Reich. Sólida y reivindicativa producción alemana, con una gran interpretación de Julia Jentsch en el papel de la tenaz mujer que da nombre al título, Sophie Scholl. Obtuvo además una nominación a mejor película de habla no inglesa en los Oscar.


Capote es el título de la obra biográfica del afamado escritor americano, interpretado por Philip Seymour Hoffman, cuya brillantez le llevó a ganar un merecido Oscar. La ópera prima de Bennett Miller, realizador de Moneyball (2011) y Foxcatcher (2014), se ganó numerosos acólitos por su cuidada estética y el detalle puesto en la fidedigna narrativa.
Como guinda del delicioso pastel cinéfilo que supuso 2015 para mí, me dispuse a ver uno de los últimos filmes de mi lista y no es otro que Langosta, la última producción del peculiar director Yorgos Lanthimos conocido por epatar a la crítica especializada con Canino. Rondando constantemente entre la comedia negra y el drama más demoledor, el griego vuelve a repetir fórmula en su última película que, ambientada en un futuro distópico no tan lejano, narra la historia  de amor sí, de amor, pero no uno cualquiera. Aquí no estamos ante una edulcorada y facilona comedia americana de “usar y tirar” ya que, desde el principio, Langosta se desmarca por su premisa tan innovadora como disparatada. Os explico, David (Colin Farrell) viene de separarse de su esposa y acaba de llegar a un hotel/retiro donde, mediante un loco mecanismo, sus encargados le encontrarán una “pareja compatible”. De momento nada fuera de lo normal, sin embargo, en el caso de que David no encuentre pareja en un plazo fijo le convertirán en un animal de su preferencia. Esto lo cambia todo, ya que los pobres huéspedes luchan más que se enamoran, de alguien semejante con la esperanza de salir de ahí con forma humana, no animal. Lo sé, es una locura, pero es una locura con un reparto tan bueno que solo por las actuaciones ya merece la pena ser vista. A Colin Farrell se le unen Rachel Weisz, John C. Reilly, Léa Seydoux y Ben Wishaw, ¿qué os parece?

He de admitir que el vago recuerdo que tengo de Canino no es muy positivo más bien todo lo contrario. Quizá era muy joven, no lo sé, lo que sí sé es que tendré que revisarla porque tras ver ésta, Yorgos Lanthimos se postula como un director excepcional. Y digo esto porque Langosta es un ejemplo meridiano de la visión del director, una idea que el heleno tenía muy clara desde el guión embrionario. Una visión tremendamente pesimista sobre las relaciones sociales en el futuro, el amor y el odio y como éste último nos corroe hasta dejarnos vacío -tal y como observamos en el póster promocional-. El guión está escrito por el propio Lanthimos y Efthymis Filoppou, colaborador suyo desde Canino y mantiene un estilo pausado y mordaz similar a la narración del filme repleto de silencios incómodos y situaciones ridículamente extrañas. Los personajes no solo son extraños entre sí sino también para sí mismos, con unas apariencias poco convencionales y personalidades profundamente antisociales, los diálogos resultan chocantes y distantes incluso entre personas que se aman. Sin desvelar ningún detalle del filme, la amistad que se gastan Colin Farrell, Ben Wishaw y John C. Reilly en el filme es frágil, carente de confianza, como si a pesar de la condición de soltería que les une hubiera un grado de suspicacia palpable en el ambiente. Sus autores nos describen una sociedad de extraños, donde la unión de la pareja adquiere un valor desproporcionado, llegando incluso a afectar psicológica y socialmente la falta de una y pese a todo el esfuerzo que hacen para conseguirla, ni lográndola impide que el sistema les vigile constantemente para verificar que su “vínculo es verdadero”. El número impar está prohibido en el futuro de Lanthimos, no hay una oveja negra ni nadie que siga buscando ya que, de toparse con uno, sería enviado al hotel/prisión donde le forzarían a encontrar su media naranja. Pobre del que no encuentre a nadie, porque será transformado en un animal, aunque si lo piensas bien no es tan mal futuro considerando el panorama descrito y las normas establecidas. En el reino animal solo existen dos reglas: comer y reproducirse. Claro que no te sentará muy bien ser el plato de algún depredador pero, ¿acaso no existe también ese peligro en el reino humano? Las actuaciones son mayoritariamente buenas, aunque algunas me parecieron demasiado inexpresivas incluso para este filme como el de Léa Seydoux o Ben Wishaw. Por la otra cara de la moneda, Colin Farrell y Rachel Weisz establecen una conexión vital para el éxito de Langosta puesto que sin estas dos brillantes actuaciones el desenlace y el mensaje de Lanthimos no se habría traducido correctamente en pantalla. La fotografía roza la excelencia, más aún cuando filman exteriores. Además no creo que el director de fotografía haya dejado alguna escena al azar y creo que se inspiró parcialmente en los pasillos del Hotel Overlook de El Resplandor para filmar el interior de la residencia. La elección de música clásica preponderando el violín es cuando menos curiosa y por eso mismo encaja tan bien.


Langosta ya no es únicamente un crustáceo marino sino una sutil sátira, deliciosa extrañeza del universo cinematográfico que tendrá sus detractores y sus admiradores, al igual que el codiciado marisco. El dúo Farrell-Weisz aportan la sal al conjunto del plato diseñado por el chef Yorgos Lanthimos que, si tuviéramos que categorizarlo, entraría en la cocina de diseño. ¿Es disfrutable? Probablemente no ¿Inteligente? Sí, aunque quizá lo intente demasiado, pretende ser rara y lo consigue, no esconde sus cartas, es atrevida y no se le puede achacar nada por ello. Lanthimos sigue en su línea ácida, punzante e hiriente sobre la sociedad moderna, la dificultad que se presenta hoy día para encontrar, naturalmente y sin artificios, a alguien con quien congeniar, una persona dentro del universo con la que sentirse verdaderamente cómodo. Nunca disfrutamos de tantas cosas materiales y jamás estuvimos tan solos como hoy día, cuando el precio del éxito profesional se cobra el personal.


8/10: ¿TIENEN LOS ANIMALES MÁS FUTURO QUE NOSOTROS?
Ficha técnica

Título
: Ringu (The Ring)

Año: 1998

Duración: 90 min.

País: Japón

Director: Hideo Nakata

Guión: Hiroshi Takahashi

Fotografía: Junichiro Hayashi

Música: Kenji Kawai

Reparto: Nanako Matsushima, Miki Nakatani.

Género: Terror. J-Horror

Sinopsis: En una pequeña y apacible localidad japonesa, entre los estudiantes circula una leyenda en torno a unos vídeos malditos cuya visión provoca la muerte. Tras la muerte de su sobrina, una periodista investigará el origen de dichos vídeos.

Ringu combina elementos supernaturales dentro del mundo tecnológico en la época en la cual aún estaba desarrollándose, a través de una cinta VHS que, hoy en día puede resultar cómico, pero que a finales del siglo pasado y principios de éste dominaba las ventas mundiales. A pesar de su final previsible y flojo, la tensión de esta pequeña cinta nipona sigue siendo tan efectiva como el primer día. En 2002, el director Gore Verbinski se haría cargo del remake norteamericano que personalmente es inferior por poco a la original, protagonizada por Naomi Watts.

Del 19/02/16 al 21/02/16

HACE 10 AÑOS...


Debut de Tommy Lee Jones como director, ésta aventura protagonizada por el propio Jones ganó el premio a mejor guión y mejor actor en el festival de Cannes. La historia arranca cuando encuentran el cuerpo sin vida de Melquiades Estrada en pleno desierto. Mientras la policía local da carpetazo al caso, Pete Perkins, un viejo amigo de la víctima decide investigar el caso por su cuenta.

HACE 20 AÑOS...



 Casino es uno de los pilares de la filmografía de Martin Scorsese junto a Uno de los nuestros, curiosamente también co-protagonizada por Robert De Niro y Joe Pesci. Obra maestra del cine mafioso, con brillantes actuaciones y una historia cautivadora sobre los orígenes de la capital del juego y la codicia, Las Vegas. Montones de dinero, drogas y violencia fluyen constantemente en sus casi tres horas de genialidad.

¿Cuál de éstas dos guardáis con mayor cariño? ¿Visteis alguna en el cine?
Hace unos días publiqué un artículo en el que os preguntaba cuáles son vuestros candidatos favoritos en las categorías principales de los Oscar. Pues bien, ya que ésta es la mayor gala del cine, me decidí a redactar mi propia lista de posibles ganadores. Mis decisiones se basan en aquellos nominados que creo tienen más posibilidades de ganar, no los que me gustaría que ganaran. Cubriré la gran mayoría de categorías, empezando por las más relevantes y terminando por los premios técnicos tales como efectos visuales y sonoros.


Mejor película


  • Spotlight. Las estadísticas dicen que aquel que gane el premio a mejor director ganará el de       mejor película. Sin embargo, creo -y espero- que ésta sea la excepción ya que, desde mi punto de vista, Spotlight es superior a El renacido. Por mucho que me gustaría pensar en Mad Max para el premio, el hecho de ser una película de género y la escasa campaña publicitaria hacen que sus posibilidades disminuyan. Mientras, El renacido viene de ganar el DGA (Sindicato de directores) y el SAG (Sindicato de actores), dos de los premios más prestigiosos del cine. Spotlight, a su vez, ganó el premio a mejor reparto del SAG, lo que me hace pensar que como conjunto, la película de McCarthy se sitúe líder en esta carrera con El renacido pisándole los talones.




Mejor director


  • Alejandro G. Iñárritu. Como dije previamente, el mexicano viene de ganar el premio a mejor director elegido por el Sindicato de directores, es decir, por sus compañeros de profesión. Muchos votarán también en los Oscar, lo que me hace pensar en él como ganador. Cierto es que en la pasada edición ya ganó este premio por Birdman pero también hizo lo propio con el DGA. Si tuviera que apostar lo haría por Iñárritu sin olvidarse de George Miller director muy respetado con una larga y exitosa carrera, cuyo currículum comprende un Oscar y otras tres nominaciones. Por otra parte, el director de la aclamada La habitación, Lenny Abrahamson, también suena como ganador pero dado que no la he visto aún, no puedo pronunciarme sobre sus opciones. 




Mejor actor principal


  • Leonardo DiCaprio. Él y Michael Fassbender son los favoritos para hacerse con el premio y creo que será DiCaprio el ajustado vencedor. Pienso que se decidirá por el revuelo que generó su película en comparación con la discreta Steve Jobs, que para muchos en EE.UU. quedó ya olvidada. El hecho de que ésta sea su sexta nominación puede ser determinante y muchos opinan que ya debería haberlo ganado. Eddie Redmayne ganó el año pasado y haría historia si volviese a hacerlo -únicamente Spencer Tracy y Tom Hanks lo han logrado- pero no creo que lo consiga porque Alicia Vikander obtuvo mayor atención que él, algo que puede dañar sus posibilidades.




Mejor actriz principal


  • Brie Larson. Ya sé lo que he dicho pero no puedo evitar escuchar las opiniones de los que sí la han visto que claman ver en ésta joven actriz la interpretación más poderosa del año. Su nombre suena con fuerza y creo que su película, a la que muchos les pareció la mejor, no se irá con las manos vacías. Saoirse Ronan creo que será la mayor contrincante para la californiana porque, aunque Blanchett también se postula entre las favoritas creo que se debe más por su caché que por Carol en particular y espero ver a otras actrices probar las mieles del éxito. Más de lo mismo ocurre con Jennifer Lawrence, nominada más bien por su historial interpretativo que por Joy.




Mejor actor de reparto


  • Mark Ruffalo. Si Spotlight gana el premio a mejor película, Mark Ruffalo debería ganar por su inmensa interpretación dentro del colectivo de actores. Cierto es que Mark Rylance, también conocido como Rudolf Abel en El puente de los espías de Spielberg, sostuvo esa película con su estoica interpretación y se compenetró a la perfección con Tom Hanks, pero creo que Ruffalo brilla en una película claramente superior. Tom Hardy también cuenta con la atención que está recibiendo últimamente su película, El renacido, como aval para ganar la estatuilla aunque su interpretación nos muestra más de lo mismo y esa falta de diversidad debería ser suficiente para no dárselo.




Mejor actriz de reparto


  • Kate WinsletLos dos nombres que destacan de Steve Jobs son Fassbender como protagonista y Kate Winslet como su consejera y creo que, por momentos, la actriz eclipsa a su propio compañero algo harto complicado, teniendo en cuenta el peso en pantalla del actor germano. Sin embargo, esta categoría podría considerarse como la más empatada de todas. Observando el plantel de competidoras destacan Rachel McAdams y Alicia Vikander, sin olvidar la brillantez de una Rooney Mara que consiguió mantener el pulso interpretativo a nada más y nada menos que Cate blanchett, su compañera en Carol. Leigh parte con desventaja por la falta de repercusión que causó su película, Los odiosos ocho, entre la audiencia.




Mejor película de habla no inglesa

  • El hijo de SaúlPersonalmente este premio está dividido entre El abrazo de la serpiente y ésta, aunque me decepciona no ver ni El clan ni Langosta entre las nominadas pero que se le va a hacer. La belleza visual blanquinegra contra la desolación humana en primera persona, la cinta colombiana contra la húngara, de ahí saldrá el ganador y pienso que tiene más papeletas ésta última. Desde luego el cine extranjero compite más que nunca con el anglófono, llegando incluso a superarlo, en mi opinión.





Mejor película de animación

  • Del revésAl no haber visto aún Anomalisa, he de decantarme por su gran competidora, Del revés. Gran película, no solo de animación, que podría haber ocupado un lugar en la categoría de mejor película a secas, que cuenta con una historia original y complicada de traducir a los más pequeños. Su temática es de todo menos superficial, lidiando con la psicología y los estados de ánimo para crear una obra conmovedora y edificante tanto para niños como para adultos. 




Mejor guión original

  • Del revés. Hay películas, como Ex machina, cuyo planteamiento recicla algunas ideas vistas antes en el género. Otras, como El puente de los espías o Spotlight, trasladan notablemente los hechos reales y luego hay otras que se las ingenian para mostrarnos una historia nunca antes vista, con el mayor de los respetos hacia las fuentes de las que bebe. Del revés es, sin duda alguna, una brillante pequeña historia sobre los complicados engranajes que componen la mente y cómo cada aspecto de ella afecta a nuestro estilo de vida e incluso nos marca de por vida. Todos estos temas tratados con un prisma de calidez y delicadeza, esencial a la hora de difundirlo entre su público objetivo, hacen de este guión una obra maestra.

Mejor guión adaptado

  • La gran apuestaLo admito, no he leído ninguno de estos libros así que mi opinión en esta categoría no es la más contrastada. No obstante imagino que, de todas las adaptaciones, la novela más intrínseca será aquella en la que se basa La gran apuesta, una descripción densa y detallada sobre un tema tan complejo como fue la caída de Wall Street en 2008. La translación a la gran pantalla a un público general con poco o ningún conocimiento de la materia convierten a esta exitosa adaptación en mi ganadora.


Mejor montaje

  • Mad MaxMargaret Sixel, la editora y cónyuge de George Miller, demostró amor verdadero cuando aceptó el reto de reducir las casi quinientas horas de metraje en dos. Esa es la definición más trabajosa de montar un filme y en este caso su tarea no solo era vital para el éxito de la cinta de acción sino que fue un rotundo y completo triunfo. El rompecabezas de Mad Max es de esos que hacen honor a su denominación y creo que solo por eso merece que su arduo trabajo sea reconocido.


Mejor fotografía

  • El renacidoOtra categoría difícil de decidir, ya que posiblemente esta edición de los Oscar disponga de algunos de los mejores trabajos visuales que hayamos visto en los últimos tiempos. De todas formas, echo de menos algunos trabajos extranjeros soberbios como el de Thimios Bakatakis en Langosta, el de David Gallego en El abrazo de la serpiente  o el de Luca Bigazzi en La juventud. Pienso que Lubezki y John Seale son los favoritos al premio, uno por la grandeza de sus parajes naturales y el otro por retratar todo lo contrario: el desierto. Lamentablemente, no veo a Roger Deakins levantando la estatuilla pese a su impresionante retrato de la noche en Sicario.  




Mejor banda sonora

  • John WilliamsAquí no tengo ninguna duda sintiéndolo mucho por Ennio Morricone. El regreso del compositor neoyorquino a su saga fetiche es merecedora del premio, no solo por la variedad de sus canciones sino también por la calidad de cada una de ellas. A cada visionado descubría algún nuevo aspecto de su banda sonora que, de primeras, he de decir que me dejó algo indiferente. Morricone por su parte compone una gran pieza para Los ocho odiosos pero el hecho de que utilice algunos de sus anteriores temas -véase Bestiality de la película La cosa de John Carpenter- creo le restarán los votos en favor de Williams.

Mejores efectos sonoros

  • Star Wars VII. Los efectos sonoros le deben mucho a la saga creada por George Lucas que, desde sus inicios en 1977, contribuyó enormemente en este y otros aspectos tecnológicos. Respeto el trabajo de Mad Max y de Marte pero creo que tienen poca o ninguna posibilidad de llevarse el premio este año.

Mejores efectos visuales

  • Star Wars VIIMás de lo mismo en cuanto al CGI aunque tengo que decir que no me sorprendería si Ex Machina o Mad Max se lo arrebataran. Y es que la ópera prima de Alex Garland, guionista de Sunshine y 28 días después entre otras, combina magistralmente el CGI en las escenas consiguiendo un realismo pocas veces visto. Puede decirse exactamente lo mismo de Mad Max, ejemplo de facto de como utilizar los efectos por ordenador moderadamente y para impulsar levemente la escena.




"El francotirador" está dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Bradley Cooper quien encarna al francotirador más letal de la historia del ejército americano Chris Kyle. 11-S, las torres gemelas han sido derribadas y todo el mundo está consternado por la brutalidad de las imágenes que se emiten por televisión. Chris Kyle, un cowboy tejano sin demasiadas aspiraciones, conmocionado por dicho ataque terrorista decide darle mayor propósito a su vida alistándose en el ejército, concretamente en el cuerpo de élite de los Navy Seals. A partir de ahí, Chris cambia paulatinamente de carácter, afectado por una guerra dura y cruel donde las atrocidades cometidas por -nosotros- los seres humanos están a la orden del día y que imposibilitarán su posterior integración en la sociedad y en el trato familiar.

Eastwood regresa a uno de los géneros que mejor se le dan, con una historia digna de contar, una interpretación de Oscar y una dirección fluida, una mano firme y sólida que corrobora una vez más que Clint no es solamente un gran actor sino uno de los mejores directores de nuestros tiempos. La seguridad y sobriedad con la que se rueda la película es sensacional, desde el mismo instante en que compras el ticket sabes que vas a ver buen cine y eso es exactamente lo que recibes. Poco importa si estás de acuerdo con su ideología, este señor de 84 años merece el apoyo y respeto de toda la audiencia solamente por los estándares de calidad a los que nos tiene acostumbrados y el nivel de compromiso y seriedad que, a su longeva edad, mantiene en todas y cada una de las películas en las que interviene -ya sea de actor, director o productor-. La historia, que narra la vida de este legendario soldado notablemente, toma un marcado peso hacia su aspecto militar y su participación en la guerra de Irak, dejando algo de lado su faceta parental y marital lo que quizás sea su mayor punto débil. Y es que en sus más de dos horas de duración, siento que podría haberse explorado más en profundidad el Kyle "personal" más que el "popular", ya que es ese el más desconocido e interesante lado del mismo. La actuación de Cooper es soberbia, cruda y descarnada, mostrando magistralmente la extenuación mental y física que demanda la guerra y las consecuencias que ella conlleva una vez terminada.


En definitiva, la última obra del otrora Harry "El sucio" lo devuelve a la senda del éxito -tras los fiascos de "Más allá de la vida" o "J. Edgar"- con una cinta que aunque lejos de ser perfecta es más que satisfactoria, alejándose del patriotismo de tercera y representando tanto la heroicidad como la locura, la lealtad como la obediencia. El personaje de Kyle está bien dibujado, su personalidad conservadora, patriótica y temerosa de Dios está bien definida y aunque al finalizar la sesión nos quedemos con su lado más famoso, hay atisbos del confundido hombre tras la fachada apócrifa que la belicista sociedad americana le cuelga cual cartel, "La leyenda”.



7.5/10: LA GUERRA ES LA PEOR DE LAS ADICCIONES

La carrera hacia los Oscar toca a su fin pero antes de celebrarse la mayor gala del cine votad por vuestros favoritos, rellenar vuestra quiniela.

Haz clic en este enlace para ir a la encuesta,


Ficha técnica

Título
: Okuribito (Departures)

Año: 2008

Duración: 130 min.

País: Japón

Director: Yojiro Takita

Guión: Koyama Kundo

Fotografía: Takeshi Hamada

Música: Joe Hisaishi

Reparto: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki .

Género: Drama. Música.

Sinopsis: Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataud y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida.


Por fin está en el blog lo mejor del 2015. Muchas buenas películas se han estrenado este año y fue complicado recopilar diez pero, tras mucha deliberación, aquí está mi Top 10. Antes de empezar, me gustaría hacer mención a algunas que por poco no consiguieron entrar en la lista como Los odiosos ocho, Marte, Star Wars: El despertar de la fuerza, La juventud, 45 años y Yo, Earl y Raquél. También quiero avisar que, desgraciadamente, aún me faltan títulos por ver como La habitación, El club, Anomalisa, Macbeth y Langosta. Dicho esto, enumeraré en sentido inverso, de menor a mayor relevancia.

10) SICARIO. Uno de los relatos más estremecedores de los últimos años sobre la situación fronteriza entre EE.UU. y México, los cárteles y la droga. La última producción del cineasta canadiense Denis Villeneuve posee grandes interpretaciones -destacando al misterioso e impertérrito Alejandro, interpretado por Benicio del Toro- y aún mejor fotografía del maestro británico Roger Deakins, nominada al Oscar este año. No la pongo más alta en la lista porque me decepcionó la inocencia con la que representa al agente del FBI Kate Mercer, interpretada por Emily Blunt y su historia me pareció algo inconexa e inconclusa.



9) STEVE JOBS. Gran radiografía sobre una de las personalidades más influyentes del siglo XX. Danny Boyle se encarga de dirigir, Aaron Sorkin del diálogo y Michael Fassbender de caracterizarlo y firman un biopic a la altura de su persona. Logra ponerte en la piel del fundador de Apple, mostrarte las buenas y las no tan buenas facetas del gurú de la tecnología, aunque resulta cargante por momentos debido a la densidad de su guión.



8) LA GRAN APUESTA. El director Adam Mckay, más conocido por sus comedias irreverentes del periodista Ron Burgundy, nos explica las causas que llevaron al colapso económico americano en 2008. Wall Street retozaba en su propia basura y nadie vio -ni quería ver- que las bases de su sistema, los pilares del mecanismo financiero estaban podridos hasta la médula. Las actuaciones de Carrell, Bale y Gosling son tremendamente carismáticas y el guión, adaptación de la novela homónima de Michael Lewis, es una auténtica proeza aunque por momentos se enrede en una maraña de la que difícilmente tiene salida. Historias y personajes secundarios innecesarios que distraen y entorpecen el correcto flujo de la narración.



7) BEASTS OF NO NATION. Netflix se cuela entre los peces gordos de Hollywood con una película dirigida por el mismo que el de la primera temporada de True Detective, obra de culto por antonomasia, Cary Joji Fukunaga. Sin duda estamos ante una de las obras más duras del año, que indaga sobre las miserias de una guerra civil en un país africano. Tanto la portentosa interpretación de Idris Elba como la sorprendente actuación del imberbe Abraham Attah elevan a este necesario filme hasta el séptimo lugar en mi lista.




6) IRRATIONAL MAN. La última película de Woody Allen vuelve a sus raíces más dramáticas desde Match Point. Lidia con un tema tabú y no tiene pelos en la lengua a la hora de desarrollar la historia y sus personajes. Genial dúo interpretativo Phoenix-Stone, con un sorprendente final. Carece de la potencia de sus mejores filmes y aún así es lo suficientemente ácida como para colocarla en este puesto.



5) DEL REVÉS. El mejor cine infantil es aquel que consigue divertir y aleccionar a partes iguales. Ésta lo consigue, Pixar lo hace otra vez. Una historia ingeniosa y amena como pocas y a la vez educativa, una combinación garantía de éxito que cautivó al público en general, tanto al infantil como al adulto. Porque si había dudas sobre la calidad del cine de animación, válido para todas las edades, Del revés es la prueba que las disipa.



4) EL RENACIDO. DiCaprio vuelve a hacer una actuación merecedora de Oscar, en esta ocasión, dirigido no por Scorsese sino por Iñárritu. El director viene de hacer Birdman, con la que consiguió el prestigio necesario para filmar este carísimo proyecto -entorno a los 150 millones- que narra la increíble aunque verídica historia de supervivencia del cazador Hugh Glass, cuyas heridas mortales no le impidieron llevar a cabo su venganza. Notable aunque no brillante, se acerca al podio por sus excelentes interpretaciones y la belleza de sus paisajes.



3) PURO VICIO. Ésta es mi elección más personal, porque entiendo que objetivamente pueda no merecer un puesto tan alto en esta lista llena de grandes obras. La historia es un lío, hay demasiados personajes y su final deja un mar de dudas difícilmente resolubles. Pero quizá por sus errores, los cuales no pretende esconder, la última película del realizador de Pozos de ambición o Boogie nights es una de las obras que más vi y más disfrute el pasado año 2015. Su magnífica fotografía, llena de colorido y movimiento, una narración hipnótica y "buenrollista" y una gama de personajes a cada cual más excéntrico consigue que ocupe el tercer puesto en mi lista.



2) SPOTLIGHT. Una historia tan estremecedora como capital, protagonizada por un grupo de extraordinarios actores encabezado por Michael Keaton, Rachel McAdams y Mark Ruffalo. Ellos conforman el cuerpo de investigación Spotlight del Boston Globe que, en 2002, descubre un terrible historial de pederastia en la iglesia católica. El ritmo es increíblemente dinámico para lo que podría haber terminado siendo un laberinto de nombres, enigmas y callejones sin salida. Una investigación magnética, te atrapa y no te suelta hasta que se resuelve el caso y se desvele hasta el último secreto guardado por una de las instituciones más poderosas de Occidente.



1) MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA. Adrenalínica, original, llena de personajes inolvidables tales como Imperator Furiosa. Mad Max es la incuestionable número uno del año, sentada en su trono, desde que se estrenara allá por mayo y nadie consiguió arrebatárselo. 30 años después, el regreso de Max Rockatansky estuvo marcado por un proceso de producción interminable, un verdadero quebradero de cabeza para su creador, George Miller. Fíjense si tardó en concretarse que, en un principio, se pensaba en Mel Gibson para regresar al icónico personaje pero el atentado del 11 de septiembre provocó el desplome del dólar frente a la moneda australiana, lo que encareció el proyecto. Ya aparcado, George Miller se dedicó a otros temas y para cuando éste volvió a retomarlo era 2009 y no vería la luz hasta 2015. Un ejemplo de perseverancia y mimo excepcional para nuestros tiempos, más aún tratándose de una cinta de acción. La espera mereció la pena.


Y vosotros, ¿estáis de acuerdo con la lista? ¿Qué películas son vuestras favoritas? Todo comentario constructivo es bienvenido. Saludos!

Esta nueva sección echará una mirada a los filmes estrenados en España por estas mismas fechas, hace 10 y 20 años respectivamente. Será una sección semanal, puesto que los estrenos se hacen efectivos en la cartelera cada fin de semana y mostraré aquella película que tenga mayor valoración, de acuerdo a diversas páginas de cine especializadas.  De esta manera, os dejo con las dos mejores películas estrenadas este fin de semana,

del 12/02/16 al 14/02/16

HACE 10 AÑOS...


En su trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades, Lars Von Trier continúa la historia iniciada en Dogville en esta secuela, Manderlay. Bryce Dallas Howard, Danny Glover, Willem Dafoe o Lauren Bacall son algunos de los grandes actores que protagonizan este documento sobre la esclavitud en el sur de los EE.UU. durante los años 30. Personalmente, mejor que su predecesora, Manderlay recrea la demoledora situación en la que millones de afroamericanos vivían en la mitad sur de un país enfrentado ideológicamente. Aún estamos a la espera del tercer y final capítulo de la trilogía, ¡a qué esperas Von Trier!


HACE 20 AÑOS...


Michael Mann, Robert De Niro y Al Pacino revolucionaron las salas de cine de todo el mundo en 1996. Un thriller explosivo centrado alrededor de un grupo de atracadores liderados por Neil McCauley (De Niro), un experto ladrón con unas reglas estrictas sobre las que basa su forma de vida. Por otro lado, Vincent Hanna (Pacino) es un solitario policía, obsesionado por su trabajo, que sigue la pista a la banda de McCauley y no parará hasta detenerlo a él y a su banda. Una auténtica persecución del gato y el ratón, de duración considerable que transcurre en un suspiro. Michael Mann es, sin lugar a duda, uno de los maestros contemporáneos de la intriga y de la acción, que aquí reúne a dos de los mejores actores de todos los tiempos para crear una atmósfera tensa entre ellos y enfrentarlos al más puro estilo western.


El destino quiso que se estrenaran en la misma semana dos clásicos contemporáneos de nuestro cine, la mencionada Heat y Jumanji. Una película infantil que extasió en su época por su originalidad, ya que fue la primera que giraba entorno a un tablero de juego. Pero no un tablero de juego cualquiera, ya que éste llevaba la jungla a tu casa. El carismático actor Robin Williams interpretaba a Alan Parris que, atrapado de niño en el mágico tablero, fue liberado ya de adulto por dos niños, donde destaca una joven Kirsten Dunst.

¿Cuál de éstas dos guardáis con mayor cariño? ¿Visteis alguna en el cine? Una cosa es cierta, esta semana fue una gran semana para ir al cine.
El renacido es el último filme del brillante dúo Iñárritu-Lubezki, que cambia el teatro de Broadway por el salvaje Oeste, a Michael Keaton por Leonardo Dicaprio, el lirismo por la brutalidad. Ésta es la historia real de Hugh Glass (DiCaprio), cazador y trampero, que durante una expedición es sorprendido y atacado por una osa que intenta proteger a sus cachorros. Herido de muerte, Glass es cruelmente abandonado por uno de sus compañeros, John Fotzgerald (Tom Hardy). Sin embargo, Hugh “resucita” e inicia una colosal odisea de más de trescientos kilómetros con el fin de vengarse de Fitzgerald.

Empiezo hablando por la fotografía de Emmanuel Lubezki, uno de los aspectos más preciados de esta obra. El mexicano, ganador de dos Oscars consecutivos, asiduo del director cuya colaboración en Birdman le valió su última estatuilla en la pasada edición. Si aquella revolucionó la forma en la que entendíamos la edición y el montaje, un sobresaliente experimento que culminó con un éxito rotundo entre la crítica mundial, El renacido no lo es menos. El hecho de que sus más de dos horas y media de metraje estén íntegramente filmados con luz natural supone un hito cinematográfico, a la altura de la legendaria historia de supervivencia de Hugh Glass. Muchos calificarían la decisión como un arriesgado ejercicio de grandilocuencia, llevado por un monumental ego únicamente equiparable a su consecuente fracaso. No obstante, tras ver la precisión quirúrgica con la que filma cada movimiento, sus detractores no tendrán más remedio que aplaudir la brillantez de su obra acabada, admitiendo manque les pese la fuerza y el compromiso con el que éste artista ingenia cada uno de sus proyectos. Jamás hubo mejor uso de la luz como en El renacido, jamás se ha mostrado a la naturaleza tan visceral como aquí y es que el frío y las inclemencias se sienten en primera persona, la madre naturaleza adquiere mayor presencia que las actuaciones o incluso la historia. El guión es una adaptación de varios relatos que narran el trepidante viaje de Glass a través de las montañas de Montana y Dakota, una historia de lucha y superación personal como ninguna que se haya visto antes en la gran pantalla y pese a su grandeza -o quizás por culpa de ella-, fallan en transmitir algo más que la crudeza de los acontecimientos. Me faltó un elemento más espiritual en el desarrollo del personaje de Glass, una cierta introspección quizá abstracta, quizá filosófica pero al fin y al cabo introspección. Rascando la superficie de un relato tan heroico como milagroso, el guionista peca de ser excesivamente lineal y directo, poco sutil. Nada tiene que ver la carga de violencia del filme, más bien la carencia de una alternativa, una vía de escape que indague en las razones que llevan a un hombre muerto a resurgir de sus cenizas cual ave fénix. Los diálogos son escuetos y atinados, no hay “relleno” ni historias secundarias que desvíen nuestra atención del justiciero Hugh Glass. DiCaprio abandona el traje y la gomina de El Lobo de Wall Street para equiparse con un fusil y vestirse con un atuendo de pieles, ensuciándose las manos de barro y sangre, desenvolviéndose en un medio donde la diferencia entre la vida y la muerte es cuestión de mucho sacrificio y algo de fortuna. Su interpretación es la más descarnada de su carrera, destacando por encima las expresiones corporales y faciales de las dialécticas. Esto es el salvaje Oeste y que mejor que Tom Hardy para habitarlo, un actor cuyo éxito le ha llegado gracias a personajes desalmados como Bane o Bronson. Ese tipo de carácter que distingue al actor británico encaja a la perfección, transmitiéndonos la ferocidad con la que se convivía antaño, haciendo que nos sintamos incómodos con las decisiones que toma y con como las toma. Porque, si Glass era un superviviente también lo eran Fitzgerald y los indios ya que, aquel que no lo fuera, sufría duramente las consecuencias. Aparte de éstos, Gleeson y Poulter tienen papeles testimoniales, poco relevantes y carentes del carisma pertinente, algo justificado teniendo en cuenta la confrontación incansable entre DiCaprio y Hardy, dos hombres con mentes diametralmente opuestas cuyas desavenencias destruyen como un torrente todo lo que se encuentra en sus caminos. La dirección de Iñárritu viene envuelta en polémica, alrededor de las repetidas quejas por parte del cuerpo técnico, que clama haber sufrido unas condiciones deplorables de rodaje. Algo lógico, teniendo en cuenta el reto que suponía filmar cronológicamente en exteriores en pleno invierno. Muchos dirán que ese tipo de clima puede recrearse sin dificultad por pantalla de ordenador, pero yo soy de la opinión que un filme de este calado debe intentar mantener la verosimilitud en todo momento, firmando una cinta lo más cercana a la realidad de su periodo, distanciándose de trucos tecnológicos que edulcoran y mancillan la ambientación de la película. El mexicano ha querido que él y su equipo vivan próximos a la naturaleza, lidiando con los descensos bruscos de temperatura, saliendo de la zona de confort para adentrarse en el corazón de las montañas nevadas de Alberta. Destacar también la música, elemento fundamental para hacernos llegar la tensión de la escena, acelerando los latidos de nuestros maltrechos corazones. Mayoritariamente son los instrumentos de percusión -como el tambor- y los de cuerda los más presentes, con temas variados que mantienen un tono solemne. 


 En definitiva, El renacido representa un giro radical en las carreras de todos sus partícipes desde el director Iñárritu hasta el último de los ayudantes, debido a sus características pocas veces vistas en la producción de un filme. Puede que sea su singularidad la culpable de dividir a la crítica por igual, dicho esto es irrefutable que visualmente e interpretativamente la última obra de este magnífico realizador roza la excelencia. Por otra parte, sería de tercos no admitir sus carencias a la hora de arriesgar y trascender más allá de la sangre y la violencia. La épica del cazador “resucitado” cuya travesía perduró hasta nuestros tiempos merecía algo más sustancial incluso metafísico de lo visto, el interés que suscitó no se debe exclusivamente a las pruebas físicas que superó sino a las mentales, un aspecto que ni Iñárritu ni el guionista lograron aprovechar. Una narración que resulta demasiado yerma, incapaz de sacarle todo el provecho, lastrada por sus evidentes límites y sobrepasada por la grandeza de su hito. Tras verla pasará por sus cabezas el nombre de Terrence Malick, sus maneras e imágenes -Lubezki ha trabajado con él en numerosas ocasiones- pero no su fuerza ni originalidad, calificándola como un tosco intento de imitación. Lo que está claro es que DiCaprio se erige una vez más como uno de los actores más camaleónicos de los últimos años, entrando en un selecto grupo de actores para la eternidad. Hugh Glass luchó por su vida, contra los elementos y los hombres, en tiempos poco amistosos y ahora, dos siglos más tarde, volvemos a revivir la resistencia del hombre ante la adversidad.

8/10: LUCHAR PARA SOBREVIVIR




Ficha técnica


Título: C'era una volta il west

Año: 1968

Duración: 160 min.

País: Italia

Director: Sergio Leone

Guión: Sergio Leone, Dario Argento, Bernardo Bertolucci

Fotografía: Tonino Delli Colli

Música: Ennio Morricone

Género: Spaghetti Western

Sinopsis: Brett McBain, un granjero viudo de origen irlandés, vive con sus hijos en una zona pobre y desértica del Oeste americano. Ha preparado una fiesta de bienvenida para Jill, su futura esposa, que viene desde Nueva Orleáns. Pero cuando Jill llega se encuentra con que una banda de pistoleros ha asesinado a McBain y a sus hijos.
Valoración (de mejor a peor): Gran compra, recomendable, en rebajas y ¡no, gracias!

Nota: aquellas que no tengan valoración, se debe a que no las he visto.


Ya disponible

  • Taxi Teherán. Un taxi recorre las vibrantes y coloridas calles de Teherán. Pasajeros muy diversos entran en el taxi y expresan abiertamente su opinión mientras son entrevistados por el conductor que no es otro que el director del film, Jafar Panahi. Su cámara, colocada en el salpicadero del vehículo, captura el espíritu de la sociedad iraní a través de este viaje.


  • El club. Cuatro hombres conviven en una retirada casa de un pueblo costero, bajo la mirada de una cuidadora. Los cuatro hombres son curas y están ahí para purgar sus pecados. La rutina y tranquilidad del lugar se rompe cuando llega un atormentado quinto sacerdote y los huéspedes reviven el pasado que creían haber dejado atrás. 

5 de febrero

  • La cabeza alta. Malony ha mantenido una tensa relación con la ley desde la infancia. Mientras gran parte de la sociedad le da por perdido, Florencia Blaque, una juez de menores y Yann, un educador especial, están convencidos de que el muchacho puede salir de esa espiral de violencia sin sentido en la que se ve inmerso. ¿Lograrán su objetivo siendo Malony el peor enemigo de sí mismo?

10 de febrero

  • Yo, Él y Raquel. Greg es un solitario estudiante que pretende pasar desapercibido el último año de instituto, refugiado en su filia por versionar grandes clásicos del cine junto a su único amigo Earl. Un día Greg se ve obligado a visitar a Raquel, una compañera de clase a la que le han diagnosticado leucemia. La forzada relación termina convirtiéndose en una amistad inquebrantable. RECOMENDABLE

12 de febrero

  • Marte (The Martian). Durante una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney es dado por muerto tras una terrible tormenta y abandonado por la tripulación, que pone rumbo de vuelta a la Tierra. Pero Watney ha sobrevivido y se encuentra atrapado y solo en el hostil planeta rojo. RECOMENDABLE


  • La cumbre escarlata. Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra… y recuerda. EN REBAJAS

17 de febrero

  • Irrational man. La historia se centra en un profesor universitario de una pequeña ciudad, que vive una crisis existencial. Todo cambia cuando aparece en su vida una estudiante con la que inicia una relación amorosa. GRAN COMPRA


  • Hotel Transilvania 2. Secuela de Hotel Transilvania (2012), con notorias voces tales como la de Adam Sandler, Steve Buscemi o Mel Brooks.

19 de febrero

  • The Salvation. Estados Unidos, 1870. John (Mads Mikkelsen) es un apacible colono en tierras de los primeros pioneros. El hombre se ha caracterizado siempre por mantener un gran temple ante cualquier situación, pero cuando un individuo mata a sangre fría a toda su familia, acaba tomando la decisión de quitarle la vida. EN REBAJAS

24 de febrero

  • Lejos de los hombres. La película nos sitúa en la guerra de Argelia de 1954. Daru es un hijo de colonos españoles que anhela una vida fácil para poder dedicarse a la enseñanza. En su escuela ayuda a los jóvenes niños árabes a leer y escribir en francés, pero una mañana un policía le confía a Mohammed, un argelino acusado de asesinar a su primo.                             

26 de febrero

  • Estrictamente criminal (Black Mass). James "Whitey" Bulger creció junto con su amigo John Connolly en las calles del sur de Boston. Décadas más tarde, a finales de 1970, volverán a encontrarse. Será entonces cuando Bulger colabore con el FBI y ambos eliminen a un enemigo común: la mafia italiana. EN REBAJAS


  • Spectre. Última cinta sobre las aventuras del icónico agente británico Bond, James Bond. En esta ocasión, regresa la malvada organización SPECTRE liderada por su archienemigo Ernst Stavro Blofeld para acabar con Bond de una vez por todas. RECOMENDABLE






Esta nueva sección echará una mirada a los filmes estrenados en España por estas mismas fechas, hace 10 y 20 años respectivamente. Será una sección semanal, puesto que los estrenos se hacen efectivos en la cartelera cada fin de semana y mostraré aquella película que tenga mayor valoración, de acuerdo a diversas páginas de cine especializadas.  De esta manera, os dejo con las dos mejores películas estrenadas este fin de semana,

del 5/02/16 al 7/02/16

HACE 10 AÑOS...

 

En la cuerda floja es un biopic, dirigido por James Mangold (Identidad, Copland), donde un joven Joaquin Phoenix se ganaba su primera nominación al Oscar a mejor actor principal por su magnética personificación de la leyenda del country/rockabilly Johnny Cash. Nacido en Arkansas en 1932, Cash sirvió cuatro años en la fuerzas aéreas estadounidenses, tras los cuales decidió dedicarse profesionalmente a la música. Cash pasó su carrera musical en la carretera, junto a otros grandes músicos como Hank Williams, Elvis Presley o su gran amor June Carter. Sus problemas con el alcohol y las anfetaminas le otorgaron una imagen rebelde. Sólida película biográfica, con buena música y grandes actuaciones. 


HACE 20 AÑOS...


Una de las primeras películas de Leonardo DiCaprio fue estrenada esta misma semana, coincidiendo irónicamente con su última película -que podría valerle la ansiada estatuilla- El renacido. Diario de un rebelde es otro filme biográfico que lidia con la enfermiza vida de un grupo de adolescentes entre los cuales se encuentra el poeta norteamericano Jim Carroll, interpretado por DiCaprio. Buen filme indie, que proyectó la imagen de este actor, junto a Vida de este chico.

Decidme, ¿qué os parecen estas películas? ¿os gusta la sección? ¿guardáis algún buen o mal recuerdo de alguna de ellas?  



La gran apuesta es un nuevo intento de esclarecer los hechos acaecidos en los despachos de los grandes bancos de Wall Street, años antes del desplome de la economía norteamericana -y global-, en el año 2008. Dicha crisis fue generada por la infame burbuja del sector inmobiliario. Términos como hipotecas subprime, bonos basura o swaps y números -tanto negativos como positivos- fluctuantes abundan a lo largo del filme, convirtiendo sus más de dos horas de metraje en un laberinto de explicaciones y conceptos, que resultarán todo un desafío para el espectador. Dirigida por Adam Mckay, conocido por sus películas cómicas, ahonda en un drama de proporciones mastodónticas y alarmante actualidad con originalidad y atrevimiento, utilizando algo de esa comedia para amenizar un guión tremendamente denso. El reparto lo componen Steve Carrell, Christian Bale, Ryan Gosling y en menor medida, Brad Pitt. Casting estelar para una película singular, diferente y necesaria para comprender nuestra coyuntura.

Empezaré hablando de las actuaciones, que tienen como estrellas indiscutibles a Steve Carrell que, una vez más y tras Foxcatcher, se perfila como un gran actor y a Christian Bale en un papel escueto aunque necesario para el buen funcionamiento de la historia. Los personajes a los que encarnan son verdaderos parias que, quizá por su incapacidad para relacionarse, logran ver lo que nadie puede ni quiere y eso no es otra cosa que la evidente podredumbre sobre la que se construyó el sistema financiero contemporáneo. Un sistema en el que no desean participar, un gran fraude del que todos los demás son orgullosos partícipes. Aparte de ellos, cabe destacar la extrovertida actuación de Ryan Gosling, cuyo personaje insufla alegría a la cinta. Comedia negra que funciona bien, sobretodo intercalándolo con la densidad de su narrativa. El guión, basado en un libro homónimo de Michael Lewis, es probablemente el mayor valor de la película ya que logra notablemente la ardua tarea de simplificar las cosas, de acercar al público interesado los conceptos básicos que explican el por qué de esta catástrofe. Si al salir de la sala, sientes que entiendes o te interesa más este episodio de nuestra historia, entonces querrá decir que el guión ha logrado su propósito: captar nuestra atención. Personalmente, el único problema que le encontré fue la cantidad de personajes que nos presentan. Creo que su relato habría resultado más eficaz si se hubieran centrado en un grupo de analistas, concretamente en el de Steve Carrell, porque ese es el que mayor capacidad de desarrollo y mayor carisma tiene. Hay otro grupo que, sin desvelar partes de la historia, funciona independientemente y en paralelo al conjunto protagonista de Carrell, difuminando innecesariamente una narración ya de por sí compleja. Por momentos resulta demasiado cargante, incluso para el más versado y en parte se debe a que la historia no descansa, no se permite el lujo de desviarse o relajarse ni un solo momento. Adam Mckay tiene un estilo particular, que muchos conoceréis por películas como El reportero: la leyenda de Ron Burgundy y lo traslada parcialmente a su nueva cinta. Pese a su evidente cambio de registro, Mckay no tiene miedo de romper los corsés que a menudo vemos en la mayoría de las películas de esta índole. Una tirantez que aquí desaparece y que genera confianza en el espectador, abandona la austeridad y la disciplina trajeada por el buen rollo. La economía nunca se sintió tan próxima al ciudadano de a pie y eso libera y mucho las autoimpuestas ataduras de un género con gran potencial y aún mayor importancia. En cuanto a la fotografía, donde abundan los primeros planos, las rápidas transiciones y en definitiva el dinamismo, he de decir que me pareció sorprendente e indómita. 


En conclusión, La gran apuesta es un cóctel explosivo que aúna las más de trescientas páginas de contenido escrito por el autor Michael Lewis y la loca irreverencia vista en El Lobo de Wall Street. Mientras la descomunal obra de Scorsese nos retrataba la vida de uno de los tiburones de la capital financiera, ésta nos detalla el corrupto mecanismo sobre el cual se movían dichos escualos. Como no, es una película densa, difícil de seguir pero supone un reto necesario para desentrañar las incógnitas que a menudo nos planteamos. ¿Por qué las instituciones dejaron que ocurriera? ¿Cómo pudieron engañarnos durante tanto tiempo? y la pregunta del millón ¿Qué podemos hacer para que la historia no se vuelva a repetir? Lamentablemente poco, lo que si podemos -y debemos- es informarnos para identificar futuras trampas, dificultando así sus prácticas fraudulentas.


7.5/10: HAY PERSONAS DETRÁS DE LAS CIFRAS