Ficha técnica

Título: Play Misty for me

Año: 1971

Duración: 100 min.

País: EE.UU.

Director: Clint Eastwood

Guión: Jo Heins

Fotografía: Bruce Surtees

Música: Bernard Herrmann

Reparto: Clint Eastwood, Jessica Walter.

Género: Suspense. Acoso

Sinopsis: Dave Garland (Clint Eastwood), un popular locutor de radio de California, recibe en su programa frecuentes llamadas de una misteriosa mujer. Finalmente, decide citarse con ella en el pub que suele frecuentar, Pero Evelyn (Jessica Walter), que así se llama, no es la dulce mujer que parecía y reacciona con violencia ante el rechazo de Garland, llegando a amenazarlo y a perseguirlo tanto a él como a su novia.
Enemy es la ultima película de Denis Villeneuve, realizador canadiense, que cuenta con un buen reparto pero que a diferencia de su otra obra Prisoners tuvo menor repercusión -tanto de audiencia como de crítica-. “Enemy” es una obra enigmática y paradójica, con muchos recovecos y metáforas. Podría describírsela como un rompecabezas, un cubo de Ruvik inconcluso, deseoso de ser resuelto pero que resulta altamente agobiante. Me costó terminarla, tiene un ritmo lento y pausado, una trama simple que se va complicando hasta enloquecer. La historia gira entorno a Adam Bell, un aburrido profesor de historia que vive una rutina constante, en un piso lúgubre y vacío -como su personalidad- acompañado ocasionalmente por una mujer rubia que pasa las noches con él. Un día en el trabajo, un compañero le recomienda, de forma abrupta y misteriosa, una película en la que -¡sorpresa!- aparece él, Adam. Solo que no recuerda haber participado en ninguna película, así que investiga y averigua el nombre, teléfono y residencia de su doble. Anthony Claire, su “gemelo”, vive una vida idílica con su mujer Helen y su hijo en camino, en un piso amplio y decorado y su personalidad es alegre y jovial. Un día ambos acuerdan verse y a partir de ahí se desencadenan una serie de acontecimientos varios que construyen una tela de araña con difícil solución.

Villeneuve es un director prometedor, uno de los mejores en mi opinión, dentro del género de thriller psicológico. Con la oscura y demente “Prisoners” ya hizo gala de un gran repertorio cinematográfico pero con esta obra amplía sus técnicas. Está rodada de forma en que la mística, la intriga y el agobio se sienten como personajes más de la historia, cuenta con primeros planos del protagonista que, con el rostro a menudo ensombrecido, cavila. Los escenarios dan verdadero pavor, los gestos de los personajes son tensos y constreñidos y la lente sepia ayuda a “ensuciar” más la imagen, dando una sensación de noir inequívoca. La música es adecuada, manteniendo un sonido constante de fondo, una banda sonora que transmite lo que ves en la pantalla: la hipnosis conjuntada con el puro terror. El guión, basado en una novela del portugués Jose Saramago, es el apartado más complejo desde un punto de vista técnico, ya que el guionista tiene la ardua -casi imposible- tarea de llevar esta historia psicológica a la pantalla y adaptarla de tal forma que sin resultar demasiado abstracta tampoco caiga en la complacencia. Aquí es donde tengo mis dudas. Dudo que esta novela fuera adaptable al cine, entiendo que la idea sea original y novedosa, pero quizás el refrán “una imagen vale más que mil palabras” aquí no logre su efecto y resulte a menudo un fatigoso ejercicio mental intentar descifrar el mensaje oculto que da sentido a la cinta. Las actuaciones son correctas sin más, llevando todo el peso interpretativo -como es lógico- el absoluto protagonista Jake Gyllenhaal, que nos brinda una de sus interpretaciones más cerebrales de su carrera. Aquí logra un equilibrio entre la cordura y la locura sin resultar ni demasiado plano ni sobre actuado -a diferencia de Nightcrawler-. Su duración de noventa minutos da en el clavo, la labor de montaje y edición del filme es sobresaliente, ya que esta cinta trata una temática que suele tender a divagar e irse por las ramas con soliloquios existenciales interminables y cantidad de escenas que solo tienen sentido dentro de la mente del creador.


En definitiva “Enemy” es una película recomendable, un reto mental para el espectador, una historia que busca imbuirte en su mundo y lo logra -si realmente te atrae lo suficiente- satisfactoriamente. No es una película para disfrutar, sino más bien para saber sufrir y comprender su loco planteamiento, el cual desafía constantemente tu capacidad intelectual, en un pulso mental que difícilmente podrás ganar en el primer visionado, ya que te dejará confuso y probablemente con la sensación de que te han timado. Estamos hablando de una película muy subjetiva, es decir, dada a interpretación personal porque no tiene un camino marcado, no encierra una única respuesta. Si te gusta un buen thriller psicológico con giros dramáticos en la historia “Enemy” no te decepcionará.


6.3/10: LABERINTO CINEMATOGRÁFICO



Como lo han leído, Avatar 2, que estaba previsto que saliera a finales de 2017 se aplaza. Se especula que este inesperado movimiento por parte de su productora, la 20th Century Fox, se debe a que el octavo episodio de Star Wars también saldrá por esas fechas, finalmente. Evidentemente, Avatar es la película nº1 más taquillera de todos los tiempos, pero de eso ya hacen más de cinco años, concretamente desde el 2009 que el público espera con impaciencia esta secuela. Impaciencia que puede haberse enfriado con el paso del tiempo, algo que preocupará seguramente a los ejecutivos de la Fox, que además atraviesan por el gran momento de forma de la franquicia galáctica de Disney. 


James Cameron comentó que en Avatar 2 veremos más de lo mismo que en su predecesora, expandiendo sobre dichas bases. En esta ocasión nos adentrará pues en el vasto mundo acuático de Pandora. Poco más sabemos de este interminable proyecto, al cual le seguirán -de momento- otras dos secuelas y que mantendrá como protagonistas a Sam Worthington y Zoe Saldana, así como a Sigourney Weaver en un papel secundario. Supongo que tendremos que aguardar algo más, hasta 2018, para ver cuáles son las sorpresas que nos prepara con tanta minuciosidad James Cameron. Hasta entonces decidme, ¿os gustó la primera película? ¿Deseáis ver no una ni dos, sino tres secuelas?  ¿Tanta historia queda por contar aún? Humildemente, yo creo que no. Avatar fue un experimento, fruto de su época, cuando el 3-D renacía de sus cenizas y tuvo un gran éxito debido a eso, en gran parte. Sin embargo, esta tecnología ya no es reclamo suficiente, la audiencia tiene más atención fijada en las grandes películas de superhéroes de Marvel y DC y en el resurgir de Star Wars, que en la tribu azul de los Na'vi.




Steve Jobs es el segundo intento de hacer un biopic hollywoodiense a la altura del mito que, en esta ocasión, cuenta con grandes figuras de nuestro cine como el guionista Aaron Sorkin, el cineasta Danny Boyle y el actor Michael Fassbender para borrar de nuestras memorias la mediocre JOBS. Como digo, el talento implicado en este proyecto es estelar y junto a los mencionados debo añadir a actores -y actrices- del calibre de Kate Winslet, Jeff Daniels -asiduo colaborador de Sorkin-, Seth Rogen y Katherine Waterston entre otros. La historia cuenta cosas que probablemente los más aficionados a la tecnología ya conocierais, como el lanzamiento del Macintosh en 1984 o el iMac en 1998 pero no es ese el principal aliciente de ver este filme. El verdadero propósito es ver a la persona detrás de la leyenda, al individuo que se esconde detrás de la imagen más revolucionaria de nuestros tiempos, ese es el sujeto que intentarán destapar.

Cualquier cinéfilo que se precie conocerá a Danny Boyle o al menos, alguna de sus obras como Trainspotting, Slumdog Millionaire o Sunshine. Un respetado director británico ganador del Oscar que se encarga de trasladar a la gran pantalla la ajetreada y parcialmente exitosa vida de Jobs. Personalmente, creo que hace un gran trabajo en acercar al espectador toda la jerga informática, así como seleccionar los momentos más trascendentes de su vida, tanto profesional como personal. Maneja muy bien los tiempos, manteniendo nuestro interés constante durante su metraje. También consigue equilibrar el apabullante diálogo -presente a lo largo del filme-, con imágenes rompedoras, evitando caer en el tedio, Boyle juega a su vez con el movimiento de la cámara y su seguimiento a los personajes que conversen con Jobs. La fotografía es gran culpable de este dinamismo, además de una gran belleza. Ésta sorprende especialmente en los grandes salones en los que el fundador de Apple presenta sus invenciones al mundo. También observé el cambio de película en el que filman, siendo más notable entre el primer y segundo acto de la cinta. El guión de Sorkin -autor de La red social o The Newsroom- es brillante, quizá demasiado. Digo esto porque la estructura de esta obra es muy particular; abandona el método tradicional -comienzo, desarrollo y final- para entregarnos algo mucho más arriesgado, en forma de tres actos independientes, tres presentaciones esenciales para comprender la evolución de su figura: desde un joven ambicioso y arrogante hasta un curtido hombre de negocios. Esta paulatina transición tendrá a Joanna Hofmann (Winslet) como escudera incondicional y a Lisa, su hija, como epicentro emocional del personaje interpretado por Fassbender. Crissane, Wozniak, Hertzfeld y John Scully vienen y van pero éstas dos mujeres continúan a su lado, pese a su evidente mal genio y su personalidad algo acomplejada. Carácter descrito a menudo como déspota que aquí tratan de explorar -no respaldar- con hechos trascendentales en su vida, que le marcaron desde muy chico. Ese es la mejor faceta de la narrativa, porque todo el mundo conoce los acontecimientos esenciales del Steve Jobs adulto y mucho saben que nadie aguantaba mucho tiempo junto a él, pero poca gente se pregunta por qué. Entre invento e invento, Sorkin trata de desvelar ese secreto de la manera más humana posible. No obstante, un diálogo bien redactado no es nada sin un grupo de actores que se empapen de ese conocimiento, algo que este reparto se asegura de que ocurra. Mención especial para Fassbender, Jeff Daniels, Seth Rogen y Kate Winslet, personas claves de su éxito entre la crítica. Sus conversaciones están magistralmente ensayadas y coreografiadas, resultando en numerosos duelos dialécticos que te dejarán sin palabras. Mis problemas llegan por su densidad, su verborrea incansable, que puede resultar difícil de seguir. Tiene un ritmo muy acelerado, por momentos demasiado y eso perjudica su disfrute. Su final tampoco transmitió suficiente, lo que degrada la efectividad emocional que su guionista nos construye desde sus inicios. 



En conclusión, Steve Jobs se acerca más al biopic que todos queremos ver sobre su persona. Describe con certeza sus mejores y sus peores momentos, sus éxitos y fracasos y lidia con la difícil tarea de mostrarlo ni bueno ni malo, más bien, limítrofe entre ambos polos. Pero, más allá de eso, había una persona frágil y desconsolada, alguien que se volcaba en sus productos para demostrarle al mundo su valía, aunque luego no podía compartirla con nadie porque no confiaba en nadie. A él le daba igual caer mal o bien y aunque en su fuero interno deseaba que alguien le comprendiera, su carácter iracundo y vanidoso complicaba esa tarea a sus allegados. No es una obra maestra, es imperfecta como su protagonista, pero entre diálogos y observaciones encierra algo más profundo, la complicada mente del hombre que cambió nuestro estilo de vida.


7/10: LA FRAGILIDAD DE UN MITO

Ficha técnica

Título: Brutti, sporchi e cattivi

Año: 1976

Duración: 120 min.

País: Italia

Director: Ettore Scola

Guión: Ettore Scola, Ruggero Maccari

Fotografía: Dario Di Palma

Música: Armando Trovaioli

Reparto: Nino Manfredi.

Género: Comedia negra. Pobreza

Sinopsis: El viejo Giacinto vive en los arrabales de una gran ciudad italiana con su esposa, hijos, nueras y nietos. En total casi veinte personas en la misma chabola. Casi todos los miembros de la familia son extremadamente egoístas, y sólo quieren el dinero que guarda afanosamente el padre de familia, un hombre huraño y tan miserable como los demás. Todos tratan de ganarse la vida, aunque algunos necesitan parte del dinero del padre para subsistir.
Ficha técnica


Título: Papurika

Año: 2006

Duración: 90 min.

País: Japón

Director: Satoshi Kon

Guión: Satoshi Kon, Seishi Minakami

Fotografía: Michiya Katou

Música: Susumu Hirasawa

Género: Animación. Ciencia ficción. Intriga. Surrealismo

Sinopsis: El psiquiatra Atsuko Chiba ha desarrollado un método de terapia revolucionario denominado "PT", un prototipo de máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades. Pero uno de los modelos de PT es robado del laboratorio del Dr. Atsuko, y comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus personalidades mientras duermen.
La película, dirigida por David Ayer (Fury, Sin tregua), que expandirá el universo cinemático DC/Warner Bros. llegará a las pantallas de nuestro país en agosto. En el póster podemos ver unos dibujos que representan las expresiones faciales de los 9 componentes del grupo mercenario entre las que destacan Harley Quinn (Margot Robbie), Deadshot (Will Smith), Diablo (Jay Hernandez) y Katana (Karen Fukuhara). Además, justo en el centro observamos a la "adorable" pareja de Quinn, el Joker (Jared Leto), que aparecerá en el filme junto a Batman. Me parece un cartel atrevido y alocado, que es justo el tono que quiere conferirle David Ayer a la obra, ya que veremos por primera vez una superproducción donde los protagonistas no son ni héroes con con capa ni gigantes verdes sino villanos, algo de lo que DC puede presumir de tener en abundancia. 

Y a vosotros, ¿qué os parece este nuevo póster? ¿Os gusta u os parece demasiado estrafalario? ¿Creéis como yo que veremos un trailer en los próximos días? Dejad vuestros comentarios.



45 años es una película independiente británica protagonizada por dos figuras del cine sajón como Charlotte Rampling y Tom Courtenay. Este drama narra la convivencia de un matrimonio, el cual prepara una fiesta para su 45º aniversario a la que acudirán todos los amigos y familiares que   vivieron junto a ellos sus más de 40 años de historia. Una mañana cualquiera, a una semana de la esperada celebración y con todos los preparativos concretados, el marido recibe una carta que le comunica haber encontrado el cadáver de su primer amor en los Alpes suizos. A partir de ahí comienza una obsesión por su parte, desconfianza por parte de ella y con el tiempo llegan las revelaciones. Revelaciones que harán tambalearse los cimientos de su relación.

Comienzo hablando de las actuaciones de la pareja protagonista, ya que tanto Rampling como Courtenay son dignos de mención. Cuando vi las nominaciones a los Oscar y observé que, entre las Jennifer Lawrence y Cate Blanchett habituales, se encontraba esta veterana actriz pensé que muy buena actuación había tenido que otorgar y así es. La británica ofrece una interpretación honesta, descarnada y profundamente consternada por los hechos que se van lentamente desvelando. Y es que en todo momento sientes esa tristeza en su actuación y comprendes la inestable situación que atraviesa, no solo su matrimonio sino también su persona e identidad. Porque irremediablemente, llega un momento en la vida de cualquier ser humano en la que todo son recuerdos, memorias de una vida que para ella se intoxican al temer la verdad detrás de la historia del primer amor de su marido, Geoff. Hablando de él, Tom Courtenay tampoco debe ser olvidado ya que, pese a tener el papel secundario, no desmerece a Rampling manteniendo siempre el listón a la altura de su compañera de reparto. Digo que la cinta se centra en ella porque es el centro moral alrededor del cual gira la historia, vemos a través de sus ojos e ignoramos lo que ella ignora. La historia es simple aunque paulatina en su resolución, mantiene el interés en sus personajes aunque resulta algo predecible y es por esto que la atención del espectador pueda desviarse de tanto en cuanto. Aquí son las actuaciones las que elevan al filme no la historia, dando ésta demasiadas vueltas para acabar en su inevitable final, relatándonos poco sobre el pasado de ambos protagonistas, complicándonos la tarea de simpatizar con ellos y finalmente hiriendo la efectividad de su matrimonio en pantalla. Desconozco si esa fue la intención del director Andrew Haigh, pero me habría gustado comprender algo más las emociones que atraviesan tanto Geoff como su mujer, conocer más el nivel de su unión -o desunión-, de su amor porque a veces parecen témpanos de hielo, completos desconocidos que por alguna razón comparten el mismo techo. La fotografía es genial, ofreciéndonos numerosos planos más que interesantes de su casa, donde pasan gran parte del día. Cabe distinguir dos tipos de escenario: aquel fuera de la casa o en la ciudad y aquel dentro de ella. Digo esto porque en el transcurso de la película, los instantes donde uno o ambos han salido son momentos de dudas e incógnitas para el público -¿qué estarán haciendo a espaldas del otro?-. Este halo de misterio que envuelve a Geoff acrecienta, desde una inofensiva carta hasta la mayor de las paranoias, y todo se sucede en la apacible vivienda.


En definitiva, 45 años es un título sólido de una bella factura, parca en palabras y llena de sentimientos encontrados. Dos grandes actuaciones la llevan a la categoría de película llamativa, culminando en una más que merecida nominación al Oscar para Charlotte Rampling que podrían haber sido más si el personaje de Geoff y la historia en general no hubiera sido tan conservadora y rutinaria. Me quedo con las expresiones de sus actores, con un gran fotografía que de no haber coincidido con tantos grandes títulos este año habría sido más reconocida. Las ideas que nos plantea sobre las relaciones humanas -o la carencia de ellas- son estremecedoras, tristemente realistas y es que, al final de una vida, no hay nada peor que admitir que tu matrimonio ha sido un rotundo fracaso, reconocer ese gran vacío llamado soledad y sentirte solo en tus últimos días.

7/10: PERDIENDO UN AMOR
Ficha técnica

Título
: Cape Fear

Año: 1962

Duración: 100 min.

País: EE.UU.

Director: J. Lee Thompson

Guión: James Webb (Novela: John MacDonald)

Fotografía: Sam Leavitt

Música: Bernard Herrmann

Reparto: James Stewart, Robert Mitchum, Martin Balsam.

Género: Thriller. Terror

Sinopsis: Sam Bowden (Stewart) es un respetable abogado en su ciudad. Cuando un criminal llamado Max Candy (Mitchum), que pasó ocho años en la cárcel por su culpa, es puesto en libertad la pacífica vida del abogado y de su familia comenzará a tornarse en una incesante pesadilla. Una historia de venganza como ninguna otra, vista desde el punto de vista del malhechor, donde ambos Mitchum y Stewart nos brindan un duelo interpretativo sin parangón. J. Lee Thompson, director de Los cañones de Navarone o de algunas de las clásicas cintas de acción del justiciero Charles Bronson como Kinjite o Al filo de la medianoche, firma aquí su obra cumbre que años más tarde sería revisada por Martin Scorsese. Recomiendo ver ambas ya que, aunque mantienen el mismo hilo argumental, las diferencias generacionales afectan al tono de cada una de las versiones.




Ficha técnica

Título
: Kansas City Confidential

Año: 1952

Duración: 100 min.

País: EE.UU.

Director: Phil Karlson

Guión: Phil Karlson, John Payne (Historia: Harold Greene)

Fotografía: George E. Diskant

Música: Paul Sawtell

Reparto: John Payne, Lee Van Cleef, Neville Brand, Preston Foster.

Género: Cine negro. Intriga. Atracos

Sinopsis: Un misterioso tipo tiene un plan perfecto para atracar un banco, solo necesita tres cómplices. Portando máscaras durante y después del atraco, el líder se asegura de que no haya soplones ni chivatazos, ya que nadie conoce a nadie. El único modo de identificarse es mostrando la carta del rey de la baraja de póquer que él les dio ya finalizado el trabajo. Cine negro en estado puro, infravalorada película de atracos que recuerda en ocasiones a la ópera prima de un tal Quentin Tarantino, Reservoir Dogs. Misterio, intriga y mucha suspicacia rebosan en sus trepidantes noventa minutos de duración, sin tregua ni contemplaciones, la trama avanza cual tren en marcha. Una de mis obras favoritas del género por su aparente simplicidad que se destapa, con el transcurso de la cinta, como una compleja historia de engaños, trampas y violencia.









Valoración (de mejor a peor): Gran compra, recomendable, en rebajas y ¡no, gracias!
Nota: aquellas que no tengan valoración, se debe a que no las he visto.


15 de enero

  • Everest. Basada en hechos reales, Everest cuenta las peripecias de una expedición de alpinistas amateurs en la década de los 90, cuando las escaladas comerciales al pico más alto del mundo estaban en pleno apogeo. Con un reparto estelar, entre los que destacan Josh Brolin, Jason Clarke, John Hawkes (Tú, yo y todos los demás) y Michael Kelly (House of cards). RECOMENDABLE


  • Mientras seamos jóvenes. Comedia/Drama dirigida por Noah Baumbach (Frances Ha, Una historia de Brooklyn), protagonizada por Naomi Watts, Ben Stiller, Adam Driver y Amanda Seyfried que ahonda en la juventud perdida, el fracaso profesional y personal de la vejez. RECOMENDABLE


  • Operación U.N.C.L.E. La última e irreverente cinta del realizador británico de Snatch y Lock & Stock Guy Ritchie. Adaptación cinematográfica de la serie de los 60 "El agente de CIPOL" de Robert Vaughn sobre dos agentes infiltrados, un ruso de la KGB de nombre Illya Kuryakin y otro americano de la CIA apodado Napoleon Solo, que se verán obligados a cooperar cuando una terrible organización terrorista amenaza con destruir el mundo occidental. EN REBAJAS


  • Slow West. Western protagonizado por Michael Fassbender y Ben Mendelsohn (Animal Kingdom). 


  • La visita. Algo de terror senil de la mano del infame realizador de El Sexto Sentido o El incidente (menudo hundimiento) M. Night Shyamalan. Vuelve a sus inicios, con un presupuesto limitado y un rodaje aún más limitado, el apodado "nuevo Spielberg" regresa a uno de los géneros que mejor se le dan, consiguiendo una cinta interesante con algún momento tenso y algunos cómicos. EN REBAJAS




20 de enero

  • Mr. Holmes. Elemental, querido Gandalf. Ian Mckellen, más conocido como el mago Gandalf de "El Señor de los Anillos", encarna aquí a un Sherlock Holmes en su última etapa de la vida que deberá volver al terreno de la investigación cuando un nuevo y misterioso caso le surge.




22 de enero

  • El desconocido. Ópera prima del realizador español Dani de la Torre, protagonizada por Luís Tosar y Javier Gutiérrez. Una mañana cualquiera, Carlos arranca el coche para llevar a sus hijas al colegio cuando, de pronto, recibe una llamada anónima anunciándole que tiene una bomba debajo del asiento y que dispone de unas horas para reunir una elevada suma de dinero.




26 de enero

  • Entourage. Película de la serie de la HBO con el mismo nombre, para sus fans será un buen filme, para los que la desconozcan ni se molesten en comprarla.






















Los Ocho Odiosos -me niego a llamarla de otra manera- es el segundo de tres westerns que Tarantino tiene pensado hacer para convertirse en lo que él denomina “un verdadero director de westerns” y junta de nuevo a gran parte del reparto de sus anteriores películas: Kurt Russell de Death Proof, Samuel L. Jackson que colaboró, en mayor o menor medida, en todas sus películas a excepción de su ópera prima Reservoir Dogs y Kill Bill Vol.1, Walton Goggings, Michael Madsen y Tim Roth entre otros. A ellos se unen Jennifer Jason Leigh, Bruce Dern y Demian Bichir para conformar el grupo que da nombre al título. La historia, como muchos ya sabréis, transcurre mayoritariamente en la mercería de Minnie, regentada por Minnie y su marido, una posada para viandantes y forasteros. Durante una ventisca, una diligencia ocupada por el cazarrecompensas John Ruth (Russell) y su prisionera Daisy Domergue (Leigh) se ve obligada a hacer escala en dicha mercería en su ruta hacia Red Rock, donde Ruth cobrará la recompensa de 10.000 dólares por Daisy y Daisy…bueno, ella será ahorcada en la plaza del pueblo como pago por sus horribles actos. Pero en su trayecto se encontrarán con dos desdichados autoestopistas del Oeste: el Mayor Marquis Warren (Jackson), héroe de guerra de la Unión convertido a cazarrecompensas y el ex-soldado Chris Mannix (Goggings), charlatán y bandido confederado. Cuando llegan a la mercería, se encontrarán con cuatro inquilinos un tanto sospechosos  y un montón de preguntas esperando una respuesta.


Me gustaría empezar por la famosa fotografía, anunciada y promulgada entre los cinéfilos del mundo por ser la primera vez, en mucho tiempo, que se rodaba íntegramente en 70 mm. Panavision -formato que dio vida a épicas como Ben-Hur, Éxodo o 2001: odisea en el espacio-. Robert Richardson firma un resultado majestuoso, mi único pesar es no haber podido disfrutarla en una sala de cine apropiadamente equipada, conformándome con la versión digital. Aún así, solo con imaginarme la impresión que tendría ver las montañas nevadas de Colorado en versión panorámica, me doy cuenta de la importancia de filmar en dicho formato. Cierto es que la cinta se desarrolla en un espacio cerrado, lo que a priori debería disuadir a cualquiera de filmar en 70 mm. Sin embargo, el efecto que esta filmación le otorga a Los Ocho Odiosos es el de ver una obra de teatro, donde el espectador observa todo lo que ocurre en la escena, nada ni nadie se le escapa a la vista y según el propio Tarantino, resulta muy efectivo con una historia de intriga y misterio como la que aquí nos presenta. El guión, como no podía ser excepción, escrito por Tarantino es un cruce entre una novela de Agatha Christie y la violencia más visceral de Kill Bill. La primera mitad del filme -recordad que en la versión extendida, hay una obertura y un intermedio- está llena de tensión, suspense y desconfianza entre los ocho huéspedes. John Ruth está convencido de que algo malo está a punto de ocurrir, de que alguien no es quien dice ser. Así comienza un juego de Cluedo en el medio Oeste, una versión de La cosa de John Carpenter, donde el frío y la nieve juegan el papel de prisión. Todo marcha según lo previsto, hasta que algo ocurre, un suceso que cambia totalmente el escenario y es ahí donde presumo que el intermedio de quince minutos daría comienzo. No obstante, no estoy seguro de cual es la razón, si es una mala ejecución por parte del guionista o la ausencia de intermedio en el formato digital, pero ese viraje de 180º que toma la historia me resultó demasiado abrupto, forzado e innecesario en una obra que hasta el momento estaba sobresaliendo. El suspense se fue por la borda, en pos de la violencia más tarantiniana, lo cual normalmente me encanta pero en Los Ocho Odiosos naufraga. El ejemplo más claro es el de La cosa; desde el primer minuto hasta el último segundo, Carpenter juega con nuestras emociones y nuestra mente, volviéndonos tan paranoicos como sus personajes, en definitiva, metiéndonos el miedo en el cuerpo, trasladándonos al frío polar Antártico. Aquí eso no ocurre, la tensión se siente por momentos y va “in crescendo" hasta que Tarantino decide que es hora de la casquería marca de la casa. Y junto a ella llegaron las incongruencias, que me sacaron momentáneamente de la acción, hasta que el sonido de las pistolas desenfundándose volvieron a captarla. Las actuaciones son estelares. El mejor sin duda es Samuel L. Jackson, su musa, que nos brinda una de sus mejores interpretaciones desde la infravalorada Jackie Brown. El personaje de Marquis Warren es el gran protagonista, tanto por diálogo como por peso, pero sin su gran actuación, el personaje jamás habría tenido el carisma con el que Tarantino lo escribió, todo se habría quedado en la tinta del libreto. Tras él, Kurt Russell, curtido actor que ya protagonizó este mismo año otro western con Bone Tomahawk, encarna a la perfección a John Ruth el personaje más precavido y obseso de todos. Pero obviar al resto del reparto sería como dejar un manjar a medias, ya que tanto Leigh como Goggings -quizá en su papel de mayor entidad hasta la fecha-, Roth, Madsen, Bichir y hasta el veterano intérprete Bruce Dern, bordan sus respectivos roles y todos, sin excepción, hacen honor a su calificativo de odiosos. Tarantino es un maestro del buen rollo, un gurú de la armonía, famoso por crear una atmósfera de trabajo enriquecedora y amena, donde todos desde el iluminista hasta el actor se conocen y aportan su granito de arena para conseguir el mejor producto posible. La música, qué decir de la banda sonora conducida por el maestro compositor Ennio Morricone, causante de bandas sonoras para el recuerdo como la de Un puñado de Dólares, El Bueno, El feo y el malo, Hasta que llegó su hora o La misión entre muchas otras, nominado cinco veces a los premios de la Academia y ganador de uno honorífico -¡solo faltaba!- como reconocimiento a su ilustre y prolífica carrera. Al comenzar la película y escuchar esa música ya me sentía en un spaghetti western de Sergio Leone, en el momento en el que los títulos se sucedían y llegado el “Music composed by” con el nombre Ennio Morricone debajo, los pelos se me pusieron como escarpias y me apetecía saltar de mi asiento y aplaudir de emoción. Algunos de vosotros sabréis que Ennio compuso también la música para La cosa, una mera anécdota sino fuera porque el director y causante de su contratación es el rey de los cinéfilos, Quentin Tarantino. Él tenía tan presente querer homenajear al clásico de Carpenter, que emitió un pase privado de la película en su casa para los ocho protagonistas y hasta incluyó un tema de la película que había sido rechazado para el montaje final.


Concluyendo, Tarantino lo vuelve a hacer, es su octava película y sigue sorprendiéndonos como lo hizo con Reservoir Dogs. Dice que hará dos películas más, que llegadas diez parará y se dedicará a escribir novelas u obras de teatro o lo que él quiera, yo rezo para que eso nunca pase y podamos disfrutar de muchas más de sus “locas” ideas. Es cierto que no llega al nivel de excelencia de algunas de sus obras maestras, por culpa de sus fallos de guión e incoherencias, para conveniencia de un giro dramático de los acontecimientos que no me convenció, como tampoco lo hizo la violencia gore, demasiado estrafalaria para una historia que se antojaba más contenida y menos tarantiniana si se me permite la expresión. No obstante, su maravillosa factura, las tremendas actuaciones y una música excelente componen una cinta que muchos realizadores matarían por hacer. Con ésta, su octava obra, el genio nacido en los 60, criado por un televisor y un reproductor de vinilos, continúa ocupando el trono de Hollywood manque le pese al estirado académico, licenciado honoris causa, que grite de odio y rencor hacia su larga figura: ¿¡cómo lo consigue ese bastardo!? Talento y pasión, ese es Quentin.

8/10: ¡VENID Y PROBAD EL PLOMO DE LA JUSTICIA!

 P.D. Os dejo con el tema Bestiality, la pieza que se quedó fuera de la versión final de The Thing, de John Carpenter. Desde luego, un tema muy apropiado para The Hateful Eight, que quizá habría desentonado con la susurrante música de la obra original.


Esta es una lista personal donde enumero las 10 cintas más esperadas, lo cual significa que es subjetiva y de ninguna manera trata de sentar cátedra. Dicho esto, entremos en materia:

1. Silence. El nuevo filme de Martin Scorsese, con eso ya debería entrar en la lista de cualquier cinéfilo que se precie. Si añado que actores del calibre de Liam Neeson y jóvenes talentos como Adam Driver y Andrew Garfield entran en el reparto protagonista, quizá os convenza de que estamos ante una de las imperdibles este año. Junto a ellos están Rodrigo Prieto, director de fotografía mexicano responsable de obras como 21 gramos, Babel o El lobo de Wall Street y Jay Cocks, guionista de Días Extraños o La edad de la inocencia. Hablando de guión, la historia girará entorno a dos jóvenes jesuitas que viajan a Japón en busca de un misionero que, tras ser apresado y torturado, ha renunciado de sus creencias. Un apasionante retrato, que recuerda vagamente a La misión -donde participó también Liam Neeson-,  sobre la difícil convivencia entre cristianos y japoneses.
Fecha de estreno aún sin fijar.



2. Bourne 5. Tras el fiasco que supuso El legado de Bourne, Paul Greengrass -director de las dos últimas de la trilogía original- regresa junto a Matt Damon para encarnar al personaje una vez más. Las últimas noticias son que Alicia Vikander, conocida por su excelente trabajo en Ex Machina entre otros, se une al reparto que cuenta también con Tommy Lee Jones, Vincent Cassel y Riz Ahmed. Poco más sabemos sobre esta esperada secuela de uno de los agentes más queridos del cine.
Estreno mundial: julio 



3. Hail, Caesar!. En el Hollywood de los años 50, uno de los grandes estudios pretende hacer una superproducción de romanos -¡qué extraño!- protagonizada por una estrella, pero durante el rodaje el actor es secuestrado. Una comedia negra con el sello distintivo de los hermanos Coen, que por la sinopsis recuerda a dos de sus mejores trabajos: Barton Fink y El gran Lebowski. Un reparto de lujo compuesto por George Clooney, Josh Brolin, Scarlett Johansson, Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Frances McDormand o Jonah Hill entre otros y el genio Roger Deakins a cargo de la filmación son razones más que fundadas para ponerla tan alto en la lista.
Estreno en España el 19 de febrero.


4. The Nice Guys. La secuela espiritual de Kiss Kiss Bang Bang tendrá en esta ocasión a Russell Crowe y Ryan Gosling como "buddies" de este thriller ambientado en los 70 dirigido por el irreverente realizador Shane Black.
Aún sin fecha de estreno en España.



5. Star Wars Anthology: Rogue One. El primer spin-off de Star Wars se centrará en el robo de los planos de la primera Estrella de la Muerte. Disney prepara otras dos películas derivadas del universo de Star Wars y por lo tanto gran parte de sus planes de futuro los soporta el éxito de este proyecto, dirigido por Gareth Edwards -director de Godzilla- y protagonizado por Felicity Jones, Mads Mikkelsen, Ben Mendelsohn y Diego Luna. Un reparto muy talentoso y una historia suficientemente intrigante como para colocarla en este quinto puesto.
Estreno mundial el 16 de diciembre.



6. A monster calls. Un monstruo viene a verme es el título de lo nuevo de J.A. Bayona, formidable realizador de cintas como Lo Imposible y El orfanato, que en esta ocasión se adentra en un mundo de fantasía y monstruos para contarnos la historia de Connor, un chico de 12 años que tendrá que ocuparse de gestionar la casa pues su madre (Felicity Jones) padece cáncer. Con la ayuda de un monstruo (Liam Neeson), Connor hará frente a sus mayores miedos no sin las trabas de su insensible abuela (Sigourney Weaver).
Estreno en España en octubre.



7. Midnight Special. Inicialmente fijada para el año pasada, la nueva aventura de Jeff Nichols saldrá este 2016. Con un casting de lujo -Michael Shannon, Joel Edgerton, Adam Driver y Kristen Dunst- y una premisa de lo más intrigante y prometedora, esta cinta de ciencia ficción muy al estilo de La invasión de los ultracuerpos nos cuenta los periplos de un padre y su hijo de 8 años perseguidos cuando éste último desarrolla poderes especiales.
Pendiente de fecha de estreno para España.



8. Batman v. Superman. Aunque su último trailer no me convenció demasiado y bajó unos peldaños en mi lista, ver por primera vez en la gran pantalla a los dos superhéroes más famosos del cine pelearse es razón más que suficiente para que esté entre las más esperadas no solo por mí, sino por el público en general.
Estreno en España: 23 de marzo.



9. Free Fire. Intriga, suspense y mucha acción al servicio de uno de los directores más prometedores del momento, Ben Wheatley. Brie Larson, Cillian Murphy y Sharlto Copley forman parte del reparto y viendo la calidad de los actores me hace confiar en que este proyecto será uno de los que dará que hablar este 2016.
La fecha de estreno se desconoce.



10. The Founder. Seguramente todos conoceréis la cadena de comida rápida McDonald's pero si os pregunto cómo o quién la fundó probablemente lo ignoréis. Puesto que yo tampoco conozco la historia del hombre detrás del gigante corporativo más reconocible de nuestra era, The Founder me intriga enormemente. El actor que protagonizará este biopic será Michael Keaton, que está en un resurgimiento de su carrera tras Birdman y Spotlight.
Sin fecha de estreno aún para España. 




Ahora ya conocéis las películas que espero con más impaciencia para este excitante año 2016 pero contadme, ¿cuáles de estas obras llaman más vuestra atención? ¿Cuál es vuestra lista?

P.D. Cuando tenga tiempo y haya logrado ver la gran mayoría de películas del pasado año 2015, haré otra lista con mis películas favoritas del 2015.